Medeski, Martin & Wood "Radiolarians II" 2009

01. Flat Tires
02. Junkyard
03. Padrecito
04. Ijiji
05. Riffin's Ed
06. Amber Gris
07. Chasen Vs. Suribachi
08. Dollar Pants
09. Amish Pintxos
10. Baby Let Me Follow You Down (Rev. Gary Davis)

John Medeski: teclados
Chris Wood: contrabajo
Billy Martin: batería

No es otro trío de piano, bajo y batería. Aunque, si de instrumentos se trata, ésta es una verdad, pero, tratándose de Medeski, Martn & Wood no es toda la verdad, y hay que estar preparado para todo. Y para demostrar que esta afirmación es correcta, no hay más que detenerse en su último disco, “Radiolarians II”; disco publicado en Argentina gracias a la sana costumbre del trío de, cada tanto, darse una vuelta por nuestro país.
John Medeski (piano, teclados varios y efectos electrónicos), Chris Wood (bajo acústico y eléctrico) y Billy Martin (batería) se propusieron un cambio en la forma tradicional que se aplica en la industria de la música. Han invertido la lógica de “grabar disco en estudio – hacer giras presentando disco”; con un conjunto de ideas han salido de gira (incluyendo Argentina en setiembre del año pasado) y luego, con la experiencia acumulada en las giras, se metieron en el estudio y dieron a luz los (hasta el momento) “Radiolarians” I y II. Pensando el eclecticismo musical del trío, no extraña la música del disco: inicia con un tema que es casi fusión jazz – hard rock, “Flat tires” pasando por el electro jazz en “Junkyard”, desemboca en jazz casi hard bop a la mitad del disco, con el agregado de algún teclado particular “ Padrecito”, “Riffin’ Ed” o “Amber girls”, se da otra vuelta, tal vez innecesaria, por la electrónica y finaliza... en una especie de blues increíble con “Baby, let me follow you down”, utilizando en múltiples partes del disco patrones melódicos mínimos repetitivos al mejor estilo ambient, todo esto, obviamente hecho al modo M M & W. Intentar hacer una descripción separada de banda y músicos se hace en este caso extremadamente difícil por el grado casi simbiótico que tienen en el momento de tocar (recuérdese que hace 17 años que tocan juntos y el único trío de jazz que los supera en longevidad y se encuentra activo hoy en día es el trío de Keith Jarret con Gary Peacock y Jack DeJohnette). Es impactante la forma, la cantidad y la calidad de música que interpretan estos tipos; Medeski cambia de teclados con la misma naturalidad con la que cualquiera cambia de posición en una silla cuando está sentado, agrega efectos, loops, distorsiones; Wood le da el complemento exacto con el bajo tocando de toda forma posible (slap, pizzicato, arco) y Martin ataja y sostiene desde su batería cualquier cosa que le tiren en todo momento, funcionando como eje rítmico del trío, por momentos él es la base entre dos solistas. De este modo tan cohesivo de tocar surge música que puede ser celestial o infernal, de acuerdo al criterio de cada oyente en particular. Disco inclasificable, incómodo, raro, hipnótico... Los medeskianos de la primera hora se encontraran con un disco excelente; los fusionistas a ultranza tendrán un puente muy bueno entre varios géneros; los amantes del free extremo lo encontraran poco arriesgado y, probablemente, muy estructurado; los jazzeros clásicos pasaran del odio al amor en segundos ... para volver al odio... y después al amor ... Un disco complejo; muy recomendable si Ud. abre su mente, deja de lado los prejuicios, y se anima a una experiencia distinta en el campo del jazz (con una sola advertencia: no es el disco mas adecuado para un te canasta).

Alberto “Tano” Rosso

Benny Golson "New Time New Tet"

01. Grove’s Groove (Steve Davis)
02. Airegin (Sonny Rollins)
03. From Dream to Dream (Benny Golson)
04. Whisper Not (Benny Golson)
05. Epistrophy (Thelonius Monk)
06. L’Adieu (Frederic Chopin)
07. Love me in a Special Way (Ed DeBarge)
08. Gipsy Jingle Jangle (Benny Golson)
09. Verdi’s Voice (Giuseppe Verdi)
10. Uptown Afterburn (Benny Golson)

Benny Golson: Saxo Tenor
Eddie Henderson: Trompeta
Steve Davis: Trombón
Mike LeDonne: Piano
Buster Williams: Contrabajo
Carl Allen: Batería

producido por Benny Golson & Dennis Wall
grabado por Seth Pressant & Dennis Wall

Uno de los pocos que quedan de los años dorados; una de las leyendas vivas del jazz que no se queda quieto a pesar de su edad (80). Benny Golson y una nueva encarnación del Jazztet que formara con Art Farmer, pero “aggiornado”, puesto al día en sonido y con nombres de lo mas pesado del mainstream del jazz en “New Time, New Tet”, publicado este año (obviamente no en Argentina...)
Esta formación nos trae a Benny Golson en saxo tenor junto a Eddie Henderson en trompeta, Steve Davis en trombón, Mike LeDonne en piano, Buster Williams en contrabajo y Carl Allen en batería para ofrecernos una sesión de jazz muy interesante. Con varios temas propios, clásicos inoxidables de la autoría de Golson, como “Whisper Not”, donde pone su voz Al Jarreau (es una lástima que Jarreau no se dedique definitivamente al jazz; tiene todo para ser un grande del género) mas un inédito (Uptown afterburn, un tema magnífico), junto a dos rendiciones excelentes, una a Sonny Rollins en “Airegin” y una a Thelonius Monk en “Epistrophy” y a un par de transcripciones al lenguaje del jazz de temas de música clásica con resultados muy curiosos, en un caso resulta un mix balada – vals en L’Adieu de Frederic Chopin, de gran calidad jazzistica, y, el otro tema es “Verdi’s Voice”, basado en el compositor italiano Giuseppe Verdi, no tan lograda como la anterior. El disco tiene, además de una buena elección de temas, tres cosas muy destacables: el sonido de la banda, la actuación de los músicos que la integran y el rol que juega Golson dentro del conjunto. La banda tiene un sonido muy ajustado y colaborador, con un modo muy moderno y, a la vez, rememorando a las excelentes formaciones del apogeo del hard bop (de las cuales el Jazztet de Golson - Farmer fue un ejemplo brillante). Los músicos dijeron presente a la hora de aportar calidad musical, lo que era esperable al revisar un poco sus curriculums; los desempeños de Henderson y Davis son muy buenos; a lo largo del disco son quienes sostienen con mucha presencia las propuestas musicales, particularmente Davis quien demuestra ser un grande del trombón, quizá a la altura de maestros de la talla de J.J. Johnson o Vic Dickenson. La base rítmica sostiene de forma impecable la tarea de los solistas, con buenos aportes cuando se los solicita, muy bien LeDonne en el piano, notable la tarea de Buster Williams en bajo (una columna de acero y concreto) y un gran swing de Allen. Se habrá notado que, en el transcurso del comentario sobre banda y músicos no he mencionado a Golson. Y es que Golson se reserva la tarea de arreglador y director de sus músicos; evidentemente disminuido en su potencia para tocar (recuerde que tiene 80 años), realiza breves apariciones, muy suaves, muy buenas todas; y deja espacio para que, lo que él ya no puede hacer (tocar mucho y fuerte) lo hagan los músicos mas “jóvenes” bajo su maestra batuta, sin pretender ser la “estrella” en su propio disco. Esta actitud nos muestra, además de un músico y compositor brillante, a un tipo muy sabio que ha entendido cuando es el momento de ponerse a un costado y, sin perder protagonismo, dejar a quienes pueden hacer el “trabajo duro”. Muy buen disco, totalmente recomendable, jazz muy lindo de ser escuchado e ideal para cualquier ocasión y una demostración de la sabiduría de un grande que ha escrito su nombre con letras de oro en la historia del jazz.

Alberto “Tano” Rosso

Canned Heat "Boogie With Canned Heat" 1968

01. Evil Woman (Larry Weiss)

02. My Crime
03. On the Road Again
04. World in a Jug
05. Turpentine Moan
06. Whiskey Headed Woman
07. Amphetamine Annie
08. An Owl Song
09. Marie Laveau
10. Fried Jockey Boggie
Bonus
11. The Chipmunk Song
12. Boogie Music
13. Goin’ Up the Country
14. One Kind Favor
15. Christmas Blues

Bob Hite: voz
Alan Wilson: voz, guitarra, armónica
Henry Vestine: guitarra
John Creaux: piano
Larry Taylor: bajo
Fito De La Parra: batería

producido por Dallas Smith
grabado por Dino Lappas

“Boogie with Canned Heat” es un disco en el cual, a diferencia de su debut, incluye la mayoría de material original. Aparecen hits como "On the Road Again" una de sus canciones más conocidas. "Amphetamine Annie", una advertencia sobre los peligros del abuso de anfetaminas, “Frito Hockey Boogie" el primer ejemplo de un boogie suelto o atascos. Cuando se re edita en CD en 2005, seis pistas originalmente en sencillos fueron incluidos como bonus tracks. Canned Heat es una banda de blues-rock/boogie formada en Los Angeles en 1965. La importancia de este grupo no sólo reside en su música basada en el blues, sino también en sus esfuerzos para reintroducir y revivir las carreras de algunos grandes bluesmen, así como sus habilidades para la improvisación.Personalmente esta banda ayudo a querer cada vez mas adentrarme en lo que es el blues, si bien no son los tipicos negros, llevan el blues bien puesto y lo expresan espectacularmente bien. No es poca cosa decir que tocaron en Woodstock y en el Festival pop de Monterrey.

fakublues
de http://www.unpocodeblues.blogspot.com

Marc Perrenoud "Logo" 2008

01. Mib
02. Flightcase
03. Logo
04.Solar (Miles Davis)
05. Blue in Green (Miles Davis)
06. Emira
07. Alone Together (Arthur Schwartz)
08. Nax
09. You and The Night and The Music (Arthur Schwartz)

Marc Perreonoud: piano
Marco Muller: contrabajo
Cyril Regamey: batería

Una serie mas que agradable de sorpresas vienen de la mano de este disco. La primera sorpresa es que el pianista suizo Marc Perrenoud tiene 28 años; la segunda sorpresa es que su disco “Logo”, grabado y publicado de forma independiente en Europa el año pasado, ha sido editado en nuestro país recientemenre por el sello argentino Blue Art; y la sorpresa mas importante es la música que está en el disco: Perrenoud va mas allá de ser una promesa del jazz como músico y compositor.
En el Marc Perrenoud Trio, el pianista ginebrino está acompañado por Marco Müller en contrabajo y Ciryl Regamey en batería, por lo tanto estamos hablando de tres jóvenes músicos en uno de los formatos más conocidos de la historia del jazz y sin nombres sobresalientes, la pregunta es ¿qué tienen para ofrecer que no hayamos escuchado mil veces?. La respuesta no se hace esperar mucho; al tercer tema propio de Perrenoud queda claro que tiene mucho para mostrar; queda claro que estos chicos sin perder la frescura de su edad son capaces de dar un jazz de excelente calidad y, la mayor de las sorpresas, con un estilo y una identidad propias. Una propuesta equilibrada entre los cinco temas compuestos por el pianista y los cuatro standards; Perremoud, dueño de un estilo clásico, limpio, abierto, luminoso, energético y muy inspirado muestra como se hace jazz moderno, con un sonido moderno y a la vez evocativo de los grandes tríos del género sin caer en la influencia o en la imitación; largo rato estuve pensando y buscando, tratando de encontrar una similitud, y, lo único que encontré fue alguna reminiscencia de Bill Evans, pero es un punto de contacto lejano, tal vez mas en el espíritu, en la idea interpretativa que en la forma concreta de tocar el piano; la conclusión es que Perrenoud suena a... Perrenoud. Volcado hacia la investigación de lo melódico, reinterpreta completamente a Miles Davis en “Solar” y en “Blue in Green” de un modo brillante, tomando solo el concepto del tema y generando una nueva alternativa musical, distinta del original, haciendo lo mismo con los clásicos “Alone together” y “You and the Night and the Music” de Arthur Schwartz. Realmente una gran labor del pianista, al igual que de sus compañeros; Müller en el bajo cumple con un trabajo sólido; muy atento a la propuesta de Perrenoud da un plafón sonoro que sostiene en todo momento la suavidad melódica del modo de interpretación del piano y aportando solos de muy buen nivel. Regamey en la batería es otra de las sorpresas del disco, pone muchísimo swing y gran creatividad en todos los temas, agregando el ingrediente rítmico ideal a todo el disco. Como conjunto suena muy, muy bien, lindo, interesantísimo; el nivel de dialogo que el trío establece en todo momento rememora a los mas famosos en el formato y, reitero, dan una muestra de jazz cercano a la excelencia. Un gran disco de tres músicos muy jóvenes que renuevan la esperanza; es evidente que llevan el fuego sagrado del jazz y se perfilan a ser juntos o separados nombres importantes en la escena del jazz, sino internacional, del mejor nivel europeo. Un disco más que recomendable, para prestarle mucha atención y para seguir de cerca la evolución de estos chicos que se portan como grandes.

Alberto “Tano” Rosso
"NoTanDistintos"
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Taj Mahal "Maestro" 2008

01. Scratch my Back (Slim Harpo)
02. Never Let You Go (Taj Mahal)
03. Dust me Down (Ben Harper)
04. Further on Down the Road (Taj Mahal)
05. Black Man, Brown Man (Taj Mahal)
06. Zanzibar (Taj Mahal, Angelique Kidjo)
07. TV Mama (Big Joe Turner)
08. I Can Make You Happy (Taj Mahal)
09. Slow Drag (Taj Mahal)
10. Hello Josephine (Fats Domino)
11. Strong Man Holler (Taj Mahal)
12. Diddy Wah Diddy (Willie Dixon)

Taj Mahal: voz, guitarra, banjo, armónica
Johnny Lee Schell, Takeshi Akimoto, Jason Mosersky: guitarra
Ivan Neville, Jason Yates, Mick Weaver: teclados
George Porter Jr, Bill Rich, Larry Fulcher: bajo
Tony Braunagel, Carlton Davis, Kester Smith: batería
Michael Jerome, Debra Dobkin: percusión
Billy Branch: armónica
Joe Sublett: saxo
Rudy Costa: trompeta
Darrell Leonard: trombón
Deva Mahal, C.C. White, Peebles Phillips: coros
Toumani Diabaté: kora en track 06
invitados
Los Lobos: en track 02
Ben Harper: en track 03
Jack Johnson: en track 04
Ziggy Marley: en track 05
Angelique Kidjo: en track 06

Hay muy poco por decir de Taj Mahal, una de las leyendas vivas del blues, el nombre más importante que queda en el blues internacional después de B.B. King y a la altura de Buddy Guy, Koko Taylor o Johnny Winter. Un tipo que sacó su primer álbum en 1968 y, el año pasado, festejó los 40 años de música con un disco en el que su guitarrista y productor Johnny Lee Schell, convocó a artistas de primer nivel, pero con la salvedad de que no pertenecen al mundo del blues, con excepción quizas de Ben Harper que tiene alguna relación con el género aunque no sea estrictamente del palo … los otros? Ziggy Marley del reggae, Los Lobos del rock tex mex, Jack Johnson entre el folk y el soul y la cantante pop africana Angelique Kidjo.
“Maestro” es casi un homenaje, desde el propio nombre del disco, a Taj Mahal, un tipo que siempre ha hecho blues del más tradicional y que en este album se acerca a otros géneros, en algún caso con excelentes resultados como en “Never Let You Go” una mezcla de reggae y salsa en combinación con Los Lobos y la voz de David Hidalgo, famoso hoy por su participación en el último disco de Bob Dylan. Pero en otros casos, “Black Man, Brown Man” el reggae que comparte con el hijo de Bob Marley, y “Zanzíbar” el tema co escrito junto a la estrella africana y en el que participa también Toumani Diabaté, la elección no se entiende del todo. Algunos standards recreados magistralmente como “Scratch my Back” de Slim Harpo, Diddy Wah Diddy” de Willie Dixon o el boggie “Hello Josephine” de Fats Domino ponen al disco en su lugar, junto con los mejores temas, “Dust me Down” la colaboración con Ben Harper y “Strong Man Holler”
Dentro de los músicos que lo acompañan, hay que destacar a gente del nivel de Billy Branch en armónica, Ivan Neville en teclados, Tony Braunagel en batería y Darrell Leonard en trombón.
Con lo dicho, el disco arranca muy bien con los 3 primeros temas, después cae en un pozo en las colaboraciones con Jack Johnson, Ziggy Marley y Angelique Kidjo, y luego vuelve a levantar su nivel cuando se acerca definitivamente al blues y Taj Mahal junto a sus músicos se deciden a hacer lo que mejor saben sin tanta presencia extraña y allí el veterano cantante muestra los matices de su voz y su forma de interpretar cada canción. Un buen disco, con las salvedades del caso que no agrega ni quita demasiado en la carrera de este legendario cantante.

Guillermo Blanco Alvarado
"NoTanDistintos"
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Francisco Mela "Cirio" 2008

01. Tierra and Fuego
02. Channel 2
03. Cirio
04. Maia
05. Pequeña Serenata Diurna (Silvio Rodriguez)
06. Benes
07. Urick Mela
08. Afro Son

Francisco Mela: Voz, batería
Lionel Loueke: Voz, guitarra
Jason Moran: piano
Mark Turner: saxo
Larry Grenadier: contrabajo

El baterista Francisco Mela (Bayamo, Cuba,1968) exhibe sus destrezas en la composición y sobre todo logra encabezar un elenco de estelares del jazz que le sirven de zapata. Jason Moran, Lionel Loueke, Larry Grenadier y Mark Turner son músicos probados y con personalidades muy definidas que una noche coincidieron en la Tercera Avenida, de Mananttan, en el hermético club de jazz Blue Note y recogieron la velada en directo.
Para internarse en el mundo de Mela hay que abrirse a todos los sentidos, hay que permanecer en alerta, no todo llega directo o lineal. El disco, su segundo en su carrera, es un retrato de familia, un tributo póstumo al tronco, "Cirio", padre de Mela, otro a su hijo "Urick Mela" y sus madre "Maria". Los rasgueos del guitarrista Loueke en “Benes” son penetrantes con sensibilidad carioca mientras Mela maneja el espacio y el silencio de “Cirio”con matices abstractos. Otra como “Pequeña Serenata Diurna” de Silvio Rodríguez muestra a Mela vocalizando como un aficionado, pero con preciso sentido de melodía y afinación.
Mela viene de una cofradía cubana selecta de bateristas como Dafnis Prieto y Julio Barreto y otros más veteranos como el Negro Hernández e Ignacio Berroa. Asimismo, Mela es integrante del quinteto de Joe Lovano y los tríos de John Scofield y Kenny Barron. hechos que hablan muy elecuentemente de sus altos credenciales en el exigente mundo del jazz.

Rafael Mieses
www.musicasdelmundo.org/

Joshua Redman "Freedom in the Groove" 1996

01. Hide and Seek
02. One Shining Soul
03. Streams of Consciousness
04. When the Sun Comes Down
05. Home Fries
06. Invocation
07. Dare I Ask
08. Cat Battles
09. Pantomime
10. Can’t Dance

Joshua Redman: saxo
Peter Martin: piano
Peter Bernstein: guitarra
Cristopher Thomas: bajo
Brian Blade: batería

Este disco es viejo, tiene mas de 10 años, pero suena como si lo hubiesen grabado anoche. El secreto de su frescura seguramente tendrá que ver con la apuesta estética que hizo el moreno que está en la tapa que algo ya nos adelanta en el título: "Freedom in the Groove". Joshua Redman, saxo tenor, alto y soprano, hijo de Dewey Redman (idem) abre este disco a puro groove con la superpegadiza "Hide and Seek" y de entrada nos deja en claro de que va la cosa. Basta del onanismo instrumental para ghetto , basta de ochentosas fusiones desagradables, basta de orquesta donde cada quien parece tocar en el baño de la casa. Redman retrocede en el tiempo, rescata la melodía y la sienta en la cabecera de la mesa. Tal vez sea eso lo que convierte al disco de este ex Chick Corea en uno de los mejores de los nefastos 90`s. Sin perder soltura en la interpretación, ni espacio para la libertad tonal, este hombre nacido y criado en Berkley (ni más ni menos) se muestra versátil para interpretar tanto una balada crepuscular y exquisita como "One Shining Soul", bluses bukowskianos como "When the Sun Comes Down", standarts con aires de soul como "Home Fries" o la strippera y despojada "Invocation" .
Redman no está solo y lo acompañan en la melódica patriada un magnífico cuarteto integrado por Peter Bernstein en guitarra, Peter Martín en piano, Cristopher Thomas en bajo y Brian Blade en batería. Si le gusta el Jazz y todavía no escuchó este disco sepa que se estuvo perdiendo 60 minutos de felicidad divididos en 10 canciones . Ya está advertido.

Lalo Recanatini
periodista, usuario

Tom Harrell "Prana Dance" 2009

01. Marching
02. Prana Dance
03. Sequenza
04. Maharaja
05. The Call
06. Ride
07. The Sea Serpent
08. In the Infinite

Tom Harrell: trompeta
Wayne Escoffer: saxo
Danny Grissett: piano
Ugonna Okegwo: contrabajo
Jonathan Blake: batería

El trompetista Tom Harrell es uno de los mejores exponentes de la “nueva generación” de los 70 junto a, por ej., Terence Blanchard y Wynton Marsalys; la segunda generación de “young lions” que ya no son tan jóvenes. Harrell, publicó, a principios de este año, “Prana Dance”, un interesante disco dentro del estilo que yo llamo neo hard bop.
Junto a Harrell, Wayne Escoffery en saxo soprano y tenor, Danny Grissett en piano y Fender Rhodes, Ugonna Okegwo en contrabajo y Jonathan Blake en batería, participan en un disco que, con un sonido actual, moderno, rememora los quintetos que han llevado al hard bop a la cima a fines de los años 50 y principios de los 60. Y esta afortunada remembranza se produce gracias a la calidad que todo el conjunto trae, basado en la buena composición y en una mas que interesante interpretación. Todos los temas del disco son originales de Harrell, esto nos muestra no solo un músico importante, también nos trae un compositor destacado. Buena tarea de Harrell; con mucha sencillez bien provista de talento e inspiración ofrece solos que dan la característica, el sonido particular de atmósfera, de espacialidad que tiene todo el disco, manejándose en tonos medios sin estridencias, con un despliegue cromático muy rico y muy atractivo de escuchar. El encargado de poner la energía es Escoffery con el tenor y el soprano; con una interpretación muy sólida que se corre un poco de lo melódico y apunta mas hacia lo armónico, juega de contrapunto a la propuesta sobria de Harrell “iluminando” la espacialidad de las composiciones del trompetista. La base rítmica sostiene muy bien a la dupla Harrell – Escoffery; Grissett es quien le da a la banda el sonido moderno con el Fender Rhodes aportando solos de buena calidad melódica y poniendo los acordes justos para el trabajo de los solistas; Okegwo y Blake cierran la base con una mas que correcta actuación. Todo el conjunto suena muy compacto, producto de ser viejos conocidos desde 2007, año de aparición del disco anterior de Harrell, “Light On”. Paseando por los ritmos del neo hard bop y dándose una vuelta por el funk, este disco me pareció muy bueno, muy interesante. No tiene “el” tema, no hay ningún hit; es buena música bien interpretada, y eso es mucho decir frente a algunos discos que han aparecido últimamente donde lo único que parece haber es nombres importantes, títulos y nada mas, dejando de lado el talento que muchos de esos nombres tienen y olvidándose de esa enseñanza demoledora que le dio Thelonious Monk a Steve Lacy (el mejor soprano de la historia del jazz): Dejá de tocar toda esa mierda, esas notas raras, tocá la melodía! Pues bien, Harrell le hizo caso a Monk y nos ofrece un disco recomendable del que uno se va haciendo amigo desde la primera escucha y al que le va encontrando cosas interesantes cada vez que se vuelve a escuchar.

Alberto “Tano” Rosso
"NoTanDistintos"
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John Nemeth "Love me Tonight" 2009

01. Love me Tonight
02. Just Like You
03. Fuel For Your Fire
04. Too Good to Be True
05. Daughter of the Devil
06. My Troubled Mind
07. Where You Been
08. She's my Heart Desire (Matt Schofield)
09. Love Gone Crazy
10. Country Boy
11. Blues in my Heart

John Nemeth: voz, armónica
Steve Willis: guitarra, coros
Kedar Roy: guitarra, bajo
Bobby Welsh: guitarra, teclados
June Core: batería
invitados
Elvin Bishop: guitarra
Ed Earley: trombón, coros
Dimitry Gorodetsky: contrabajo

Hoy vamos a hablar del nuevo disco de un músico no demasiado conocido en la Argentina, de hecho sus discos no están editados en nuestro país como los de tantos otros (Joe Bonamassa, Coco Montoya, Walter Trout, Keb Mo, Derek Trucks o Susan Tededschi). “Love me Tonight” de John Nemeth, un armoniquista de primerísimo nivel y que además tiene una voz magnífica, por lo que es uno de los tipos con mas futuro en el ambiente del blues.
En general, los grandes armoniquistas del mundo del blues no cantan. Hay excepciones claro, Little Walter, a quien escuchamos hace un ratito, Kim Wilson, el frontman de los Fabulous Thunderbirds y algún otro que se me escapa. Sí, en cambio, hay grandes cantantes que chapucean con la armónica; Mick Jagger, Steven Tyler, etc. John Nemeth hace las dos cosas, pero lo que lo convierte en una promesa de gran estrella del blues, es que ambas cosas las hace fenomenalmente.
“Love me Tonight” es su cuarta placa, buscando su consolidación definitiva, tratando de dejar de ser esa “promesa” y convertirse en realidad, y quizás este disco le dé ese respaldo de público que está esperando. Quizás … porque el disco tiene algunas dificultades.
La primera gran dificultad es que Nemeth no termina de decidirse si piensa convertirse en un bluesman o si sigue coqueteando con el soul. Claro, su voz, tan versátil se siente sumamente cómoda en el soul, y en muchos momentos parece más cercano a Al Green y Sam Cooke, en su forma de cantar, que a Buddy Guy o B.B. King. La otra cuestión es que no hay demasiada sorpresa en este disco, es todo muy previsible, blues y soul, canciones amables, muy bien ejecutadas por la banda que lo acompaña, Roy Kedar en guitarra y bajo, Steve Willis en guitarra, Bobby Welsh en guitarra y teclados, June Core en batería y como invitados Ed Earley en trombón, Dimitri Gorodetsky en contrabajo y el notable Elvin Bishop tocando la guitarra en dos blues “Country Boy” y “Daughter of the Devil”, temas todos fundamentalmente pensados para el lucimiento de Nemeth que, hay que decirlo, brilla en ambas facetas; con la armónica puede ser potente o sutil con igual destreza, y como vocalista tiene un registro y una ductilidad impresionantes aunque probablemente su voz alcanza los momentos de mayor esplendor en los temas más cercanos al soul como “Fuel For Your Life” o “She is my Heart’s Desire”. Lo mejor del disco, los blues claro, los que escuchamos recién, pero sobre todo el que viene ahora, “Blues in my Heart” y el tema que le da título al disco “Love me Tonight”.
A la hora del balance general, podemos afirmar que es un buen disco, y solo eso, que por ahora no lo coloca en el lugar de distinción que esta buscando, pero que dado su talento, hace que el crédito siga abierto para sus próximos trabajos.

Guillermo Blanco Alvarado
"NoTanDistintos"
Sabados 19.00
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Claudio Roditi "Braziliance x 4" 2009

01. Pro Zeca
02. E Nada Mais03. Vontade Mesmo
04. Tune Up
05. Rapaz de Bem
06. Dinner by Five
07. Song for Nana
08. Tema Para Duduka
09. Quem Diz Que Sabe
10. Gemini Man

Claudio Roditi: trompeta
Helio Alves: piano
Leonardo Cioglia: contrabajo
Duduka Da Fonseca: batería

El brasileño Claudio Roditi es un brillante trompetista radicado en EEUU hace casi 40 años, y, sin ser una de las grandes estrellas del mainstream del jazz (algunos lo comparan con Kenny Dorham, otro grande que en su momento no fue muy reconocido) ha producido discos de notable calidad, como compositor y músico. Este año ha publicado “Braziliance x 4”, donde, como en varias oportunidades anteriores, hace pie en la fusión jazz samba.
Roditi en trompeta y flugelhorn, Helio Alves en piano, Leonardo Cioglia en el bajo y Duduka Da Fonseca en batería; presentan un mosaico de temas donde la samba y la bossa son el espíritu y el jazz es el modo de expresión. Roditi y sus muchachos evidentemente saben, como brasileños que son, de que va la cosa, y logran un mix perfecto de jazz samba; colorido, fluido, con todos los ingredientes de los dos géneros: el ritmo contagioso de la samba junto a un swing jazzero de muy alto vuelo, la melodía alegre y pegadiza junto a una capacidad de improvisación exquisita, esto realizado por músicos que demuestran un gran nivel de interpretación. Fantástica tarea de Roditi; pone mucha sencillez en su modo de tocar elaborando melodías muy amables y a la vez complejas, de gran riqueza sonora; con mucha habilidad administra la energía de cada tema, siendo suave cuando hace falta y sonando potente cuando la ocasión lo indica. Además, a su trabajo musical debe destacarse también como mérito la elección perfecta de la base que ha elegido para acompañarlo. Alves en el piano realiza una labor estupenda, impecable. Muy sólido, mucha inspiración, mucho swing, las notas justas, sutil en sus acordes y soberbio en sus solos. El bajo de Cioglia es el aditivo armónico perfecto siempre presente que cohesiona el sonido de la
trompeta y el piano; sus líneas de bajo dan un colchón sonoro ideal a todos los temas del disco. Y, sin temor a equivocarme o exagerar, Da Fonseca en este disco, es el Art Blakey de la samba; está a la altura de los grandes de la batería y todo el trabajo del grupo está soportado por la columna de swing que pone Duduka en todo momento, aún en las bossas mas suaves. Sintetizando, ya se perfilaba muy bien en su anterior producción, el magnífico Impressions de 2008 y era de esperar un disco de igual nivel, hecho confirmado por este excelente disco. Muy buena música, amable sin ser livianito y lleno de toda la energía de la samba y la frescura del jazz para conformar un disco que entra por los poros e, irremediablemente nos hace mover las patas. Totalmente recomendado, un gran puente entre 2 géneros que cuando se dan la mano con talento e inspiración, suelen entregar una gran calidad rítmica y musical.

Alberto “Tano” Rosso
"NoTanDistintos"
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Alexis Korner "R&B From the Marquee" 1962

01. Gotta Move (Alexis Korner)
02. Rain in Such a Lonesome Sound (Jimmy Whiterspoon)
03. I Got my Brand on You (Muddy Waters)
04. Spooky But Nice (Cyril Davies)
05. Keep Your Hands Off (Cyril Davies)
06. I Wanna Put a Tiger in Your Tank (Muddy Waters)
07. I Got my Mojo Working (Ann Cole)
08. Finkle’s Café (Alexis Korner)
09. Hoochie Coochie Man (Willie Dixon)
10. Down Town (Alexis Korner)
11. How Long, How Long Blues (Leroy Carr)
12. I Thought I Heard That Train Whistle Blow (Long John Baldry)

Alexis Korner: voz, guitarra
Cyril Davies: armónica, voz en track 03, 05, 06, 07, 09
Long John Baldry: guitarra, voz en track 02, 11, 12
Keith Scott: piano
Dick Hecktall Smith: saxo tenor
Spike Heatley: contrabajo
Graham Burbridge: batería
Jim Sullivan: coros
Teddy Wadmore: bajo eléctrico en track 07

producido por Jack Good
grabado por Jack Clegg

Detrás de Blues Incorporated se encuentra la legendaria y tristemente poco reconocida figura de Alexis Korner, denominado como "el padre fundador del blues británico". Nacido en Paris en 1928, se trasladó a Londres en plena II Guerra Mundial y uno de sus recuerdos de la época era de escuchar un disco de Jimmy Yancey durante un bombardeo alemán, y según palabras propias, a partir de entonces lo único que queria era tocar blues. A finales de los 40, Korner se unió a la Chris Barber's Jazz Band y allí conoció a su futuro compañero de grupo Cyril Davies. Juntos, tocaron en los más famosos clubes de blues de Londres, hasta que en 1961 crearon Blues Incorporated, uno de los primerisimos grupos de blues británicos, y que incluyó en sus filas nombres como Charlie Watts, Ginger Baker o Jack Bruce. Asimismo, Blues Incorporated permitiria a jovenes fans aficionados a tocar junto a ellos, y entre ellos se pueden remarcas los nombres de Mick Jagger, Keith Richards, Brian Jones, Rod Stewart, John Mayall y Jimmy Page.
”R&B from the Marquee” no fue el primer trabajo de Korner, pero sin duda fue el primer disco de blues británico que fue una gran influencia para todos los jovenes, a pesar de su poco exito comercial. De hecho, aunque el título pueda insinuarlo, el disco no es en directo. The Marquee es un legendario club musical londinense por el que numerosas estrellas musicales han pasado, como ser Pink Floyd, The Who, David Bowie, Jethro Tull... y donde los Rolling Stones dieron su primer concierto en 1962. Durante los 70 y 80 promovió el movimiento punk inglés (Sex Pistols, The Clash, Buzzcocks) y la new wave (The Police, Dire Straits, Joy Division). También se realizaron en dicho club numerosos conciertos secretos de grupos famosos, en los que las bandas eran anunciadas con un nombre concreto para que solo los fans más hardcore supieran de quién se trataba.Acerca del disco, se trata de una mezcla entre canciones clasicas del blues americano y creaciones propias. La mayoria de los clásicos son de Muddy Waters (“I Got My Brand On You”, “I Wanna Put a Tiger in Your Tank”, “Hoochie Coochie Man”). El britanico Long John Baldry colaboraria en el disco poniendo voz a un título propio: ”Thought I heard That Train Whistle Blow”. El resto de temas son creación de Alexis o Davies, y mayoritariamente son jamming que, si bien ya hemos dicho que el disco es de estudio, se podria considerar en cierta medida un directo sin publico, y que demuestran como sentian el blues estas dos leyendas.

extraido de
www.all-these-blues.blogspot.com

Eliane Elias "Bossa Nova Stories" 2009

01. Garota de Ipanema (Vinicius De Moraes, Tom Jobim)
02. Chega De Saudade (Vinicius De Moraes, Tom Jobim)
03. The More I See You (Gordon, Warren)
04. They Can’t Take That Away From me (George Gershwin)
05. Desafinado (Tom Jobim)
06. Estate Summer (Martino, Brighetti)
07. Day in Day Out (Johnny Mercer)
08. I’m Not Alone (Ivan Lins)
09. Too Marvelous for Words (Johnny Mercer)
10. Super Woman (Stevie Wonder)
11. Falsa Bahiana (Pereira)
12. Minha Saudade (Joao Gilberto)
13. A Rana (Caetano Veloso)
14. Day by Day (Sammy Cahn)

Eliane Elias: voz, piano
Ricardo Vogt: guitarra
Marc Johnson: contrabajo
Paulo Braga: batería
Invitado
Oscar Castro Neves: guitarra

La fantástica pianista brasileña Eliane Elías abrió este 2009 con un disco en el que dejó un poco de lado el jazz y vuelve a sus raíces en la bossa, reinterpretando algunos íconos del género y llevando al ritmo de bossa otros temas. “Bossa Nova Stories” es su nuevo trabajo, y, milagrosa y misteriosamente anda dando vueltas perdido en las bateas argentinas.
Eliane en el piano, el legendario Oscar Castro Neves y Ricardo Vogt en las guitarras, Marc Johnson en el contrabajo y otra leyenda de la bossa Paulo Braga en batería, se encargan de bucear en las raíces de la bossa, género del cual proviene Eliane, quien a los 17 años tocaba el piano junto a los creadores: Tom Jobim y Vinícius De Moraes. Con esa idea en mente, es inevitable que el disco arranque con “Garota de Ipanema”, pase por “Chega de Saudade” y “Desafinado”, temas que marcaron el punto de partida del género, junto a algo un poco mas moderno de Caetano Veloso e Ivan Lins mas cositas sueltas como ser de Gershwin, Johnny Mercer y hasta de Stevie Wonder, todas, por supuesto, a ritmo de bossa. La propuesta no es la mas original, Eliane ya lo había hecho en “Plays Jobim” y “Sings Jobim” y tal vez la selección o el modo de interpretación no sea de una gran inspiración, pero tiene sus méritos. Eliane siempre solvente en el piano, toca con gran dulzura y calidez que se insinúa en fuego durante varios momentos del disco, su voz grave y susurrada da muy bien con el tono de los temas elegidos y está muy bien cuando canta en portugués (en inglés se hace un poco anodino); el gran Oscar Castro Neves marca inevitablemente con su guitarra el ritmo de un modo magistral y evidencia por que es y fue el elegido en centenares de grabaciones de bossa, clásico, ágil, limpio, una labor impecable. Bien Johnson en el bajo, muy plástico, cumple bien su trabajo en un tipo de música que le es familiar y cómodo y Braga, al igual que Castro Neves es uno de los maestros que hicieron grande al género y forman una dupla rítmica de gran calidad musical; la orquesta de cuerdas cuando interviene es una agradable compañía al grupo y, afortunadamente no se hace un uso abusivo de ella. La gran pregunta a esta altura es: ¿el disco es bueno? Compleja es la respuesta y difícil de encarar objetivamente. Los amantes de la bossa tal vez lo encuentren un poco soso, falto de espíritu; los jazzeros extremos lo van a ver peligrosamente cerca del horror del smooth jazz (y no están muy equivocados que digamos) y el oyente en general va a escuchar un disco sedoso, suave, muy agradable. Para mi la cuestión pasa por que se pretende escuchar y el gusto de cada oyente. Para mi está bien; el disco me gustó; no es el disco por el cual considere a Eliane una grande ni del jazz ni de la bossa, pero se bien que es lo que, a priori, podía escuchar, teniendo en cuenta los últimos discos de Eliane. Si quiere un rato de música suave, este va muy bien, pero de ahí a recomendarlo... lo dejo al criterio del oyente.

Alberto “Tano” Rosso
"NoTanDistintos"
Sabados 19.00
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Chris Duarte "3 9 6" 2009

01. Back in Town
02. Put Up or Shut
03. Chattahoochee Side
04. 3 9 6
05. Give it Back to Me
06. Silverspoon
07. Funky Mama
08. Mad as I Can Be
09. Angela
10. Still I Think of You
11. The Ballad of Kojima Ridge
12. H 2 K 3

Chris Duarte: Voz, guitarra
Jesse Bradman: Coros
Toshihiro Sumitomo: Guitarra
Yoshihiro Ogasahara: Bajo
Taizo Takafugi: Batería
Taro Takagi: Percusión

Producido por Chris Duarte & Mike Varney
Grabado por Adam White

El nuevo trabajo del cantante y guitarrista Chris Duarte, denominado "396" es el primer lanzamiento del 2009 en el blues internacional, salido en los primeros días de Enero en los Estados Unidos, Japón y Europa
Chris Duarte se ha ido edificando una carrera más que acaptable en el mundo del blues de los Estados Unidos, canta con una voz que remite a algunos de los grandes del género, toca la guitarra de manera envidiable y ha hecho algunos discos interesantes combinando el blues con rock and roll furioso. “3 9 6” su nuevo trabajo no escapa demasiado de esa temática, aunque tiene la novedad de que lo hace juntamente con el grupo Bluestone & Co, una banda japonesa. Sí, me oyeron bien japoneses haciendo blues. No puedo negar que esa alternativa me generó expectativas algo pesimistas, prejuicios que uno tiene, sobre estos muchachos que nacieron tan lejos del Delta del Missisippi o del corazón de Chicago. Tan lejos como Pappo, Botafogo, Ali Farka Touré o Anna Popovic, pero estos son japoneses, usted me entiende. Y a propósito, debo decir dos cosas; la primera es que el disco no me terminó de convencer, es probablemente el más flojito de los que llevamos presentados durante este año, pero lo segundo que quiero decir es que los orientales no tienen nada que ver con el resultado del disco, tocan fenómeno y si yo no le digo que nacieron en Tokyo, Yokohama o Kyoto, usted ni se entera.
El problema pasa por otro lado, básicamente por las decisiones de Duarte y su productor, Mike Varney, el disco no tiene ninguna cuestión medianamente novedosa, no hay apuestas, y si bien, el blues y el rock and roll clásicos, me gustan de por sí, durante todo el disco tuve la sensación de que esto ya lo escuché. Stevie Ray Vaughan, Joe Bonamassa, Johnny Winter si usted quiere y muchos otros blueseros blancos hicieron esta música muchos años antes, y mucho mejor, por lo que el entusiasmo que uno puede experimentar al escuchar las primeras guitarras filosas se va perdiendo al promediar cada tema, todos, casi siempre, en el mismo tono furioso. Apenas hay una pausa en algunos de los escasos blues que tiene el disco, fundamentalmente en “Mad As I Can Be” el blues de once minutos que escuchamos recién y que es, por lejos, lo mejor del album, un hermoso tema que muestra que Chris Duarte y sus amigos de kimono, si quieren pueden hacer excelente música. Es la excepción lamentablemente en este disco, hay algún que otro tema más o menos zafable y poco más. No me animo a recomendarlo, aunque si a usted le va el rock cuadradote y líneal, quizás le guste.

Guillermo Blanco Alvarado
"NoTanDistintos"
Sabados 19.00
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Blue Note 7 "Mosaic" 2009

01. Mosaic (Cedar Walton)
02. Inner Urge (Joe Henderson)
03. Search For Peace (McCoy Tyner)
04. Little B’s Poem (Bobby Hutcherson)
05. Criss Cross (Thelonius Monk)
06. Dolphin Dance (Herbie Hancock)
07. Idle Moments (Duke Pearson)
08. The Outlaw (Horace Silver)

Nichoas Payton: Trompeta
Ravi Coltrane: Saxo tenor
Steve Wilson: Saxo alto
Bill Charlap: Piano
Peter Bernstein: Guitarra
Meter Washington: Contrabajo
Lewis Nash: Batería

La excusa es perfecta: celebrar los 70 años del que es, tal vez, el sello discográfico más importante en el mundo del jazz, Blue Note Records. Y que mejor para esta ocasión que convocar a algunos de los mas importantes músicos de jazz de la actualidad para recrear una parte de la música que hizo grande al sello; el grupo se tituló Blue Note 7 y el disco es “Mosaic”, una verdadera celebración del jazz. Nicholas Payton en trompeta, Ravi Coltrane en el saxo tenor, Steve Wilson en el saxo alto, Peter Bernstein en guitarra, Bill Charlap en piano, Peter Washington en el contrabajo y Lewis Nash en batería, asumieron la responsabilidad de interpretar una serie de temas de algunos de los grandes músicos que pasaron por el sello. A priori y con estos datos uno imagina que los temas van a ser los clásicos hits de Blue Note, por ej. “The Sidewinder” de Lee Morgan, “Song for my father” de Horace Silver, o, temas de los músicos más renombrados: Jackie McLean, Freddie Hubbard, Dexter Gordon, Stanley Turrentine, Kenny Dorham, Donald Byrd... Pues no, el grupo eligió libremente lo que le vino en ganas y se ocupó en reimaginar temas de tipos pesadísimos en la grabadora pero que no necesariamente eran los más populares. De ese modo nos encontramos, entre otros, con “Inner Urge” de Joe Henderson, “Dolphin Dance” de Herbie Hancock, “Little B’s Poem” de Bobby Hutcherson, “Searching for Peace” de McCoy Tyner o “Criss Cross” de Thelonious Monk (recuerde que la primera grabación “oficial” de su carrera, Genius of Modern Music Vol. 1 y 2, fue en Blue Note) entre otros. Lo interesante del grupo es que no se concentró en hacer un cover de cada tema elegido; apostaron a una reinterpretación y reimaginación de cada tema, asumiendo el riesgo que implica alejarse de la línea fácil que seria tocar lo ya tocado con algún tinte personal de los solistas. Con eso en mente, el septeto se mete de lleno en una labor brillante, donde se nota la mano del gran pianista Bill Charlap en los arreglos de los temas. Realmente la tarea tanto del grupo como de los solistas es de un nivel de excelencia; asombra el compromiso interpretativo individual y conjunto; todos tienen algo para mostrar y lo hacen en el momento adecuado y de un modo excepcional, muy inspirados. La tarea de Nicholas Payton es excelente, desde su trompeta salen sonidos que evocan a todos los grandes del instrumento que tuvieron una estadía en Blue Note poniendo su estilo personal y en mas de una oportunidad es quien da la pauta armónica y melódica con un sonido rico, con muchos matices y muy suelto, formando una gran dupla con Ravi Coltrane. Ravi hace honor a su apellido, sin ninguna duda es un grande del tenor y aquí se lo nota muy solvente y contestando o proponiendo a Payton y a la banda melodías intensas o de gran suavidad de acuerdo al momento de cada tema. Papá John estaría orgulloso de este hijo, y, comentario aparte, no caben las comparaciones entre Ravi y John; recuerde que John fue un genio que hizo todo lo que se podía hacer con un tenor y fue mas allá; Ravi es simplemente distinto, tiene la capacidad para hacer de todo y aquí elige estar muy sobrio, medido y equilibrado. Charlap brillante en sus solos y arreglos; es evidente que en su sostén creativo todo el grupo hace base, con acordes muy limpios, clásicos, de muy buen gusto y con solos de la gran calidad característicos del pianista. Muy buena tarea de Bernstein, en los momentos que le toca aparecer lo hace con aportes de una guitarra eléctrica muy agradable, teniendo su momento de gloria en Idle Moments, ese tema maravilloso que inmortalizó su compañero de instrumento y notable de Blue Note Grant Green; aquí Bernstein capta de un modo estupendo el sentimiento y la energía contenida de la interpretación de Green y lo regenera de forma maestra. La base que dan Washington y Nash es soberbia; dos viejos conocidos que cumplen sobradamente con su deber y rememoran las grandes duplas de base que pasaron por los estudios (la primera que me viene a la mente es Paul Chambers-– Art Taylor). A partir de la maestría individual que cada uno del septeto despliega, el conjunto no puede sonar de otro modo que no sea orgánico, colaborador, aceitado, magnífico, excelente. Prácticamente agotado ya en su primera edición (obviamente en EEUU y Europa) Amazon ha puesto a la venta una segunda edición especial, que trae una sorpresita: son 2 cds y en el cd 2 se encuentran las versiones originales de los temas interpretados para continuar la celebración y agregar valor a este extraordinario disco. Totalmente recomendado; una muestra de la gran música que supo salir y sale de las entrañas de una de las vacas mas sagradas del jazz: Blue Note Records.

Alberto “Tano” Rosso
"NoTanDistintos"
Sabados 19.00
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Madeleine Peyroux "Bare Bones" 2009

01. Instead
02. Bare Bones
03. Damn the Circunstances
04. River of Tears
05. You Can Do me
06. Love and Treachery
07. Our Lady of Pigalle
08. Homeless Apiñes
09. To Love You All Over Again
10. I Must be Saved
11. Something Grand

Madeleine Peyroux: voz, guitarra acústica
Dean Parks: guitarra eléctrica, mandolina, clarinete
Larry Goldings: teclados
Jim Beard: piano
Carla Kihlstedt: trompeta, violín
Larry Klein: bajo
Vinnie Colaiutta: batería
Luciana Souza, Rebecca Pidgeon: coros

producido por Madeleine Peyroux & Larry Klein
grabado por Helix Hadar

La cantante y guitarrista Madeleine Peyroux presenta la primera colección de canciones propias en su nuevo álbum “Bare Bones”. El sucesor de los “Careless Love” (2004) y “Half The Perfect World” (2006) contiene sólo composiciones de las que Madeleine fue parte desde el principio, convirtiéndose en su trabajo más íntimo y personal. Nuevamente con la producción del legendario Larry Klein, “Bare Bones” es entonces un álbum de exploración, que llega a su esencia artística, pasando por estados emocionales variados que van de la cautela a la pérdida, la aceptación y finalmente a la esperanza.“Instead”, abre el disco, es el primer single y precisamente su mejor carta de presentación: escrita junto a su amigo Julian Coryell, tiene un tono vitalista que propone apreciar el lado positivo de las cosas ‘en vez de’ su contra-cara oscura, algo que vine bien en tiempos de una crisis global tan profunda como la actual. La deslumbrante “River of Tears” y la oscura road movie “Love and Treachery” evocan a Leonard Cohen en su cristalina precisión y su tensión emocional mantenida. La rica en imágenes “You Can’t Do Me” empieza con un groove que recuerda a los mejores temas de Steely Dan y, de hecho, está escrita con uno de sus miembros, Walter Becker. Una especie de madrigal posmoderno, “Our Lady of Pigalle” habla de una mujer que está paseando por las calles muy tarde de noche, y a la que un hombre invita a irse a la cama con él. Y “I Must be Saved”, compuesta íntegramente por Peyroux, describe “el esfuerzo de no perder algo, sólo para darte cuenta más tarde de que vas a perderlo de todas formas: si me pierdo en tu mente, en tus pensamientos, entonces tengo que salvarme”.Desde el punto de vista estructural, sus objetivos como una cantautora que busca la síntesis (“no incluir nada en la canción que no necesite estar ahí, pero sí contar lo suficiente de una historia como para conseguir todo lo que necesita”) se cumplen aquí en su grado máximo. Mientras que la composición del disco llevó una buena parte de varios años, la grabación en Los Angeles quedó completada en menos de una semana gracias a la comunicación reinante entre Peyroux y los grandes instrumentistas: Dean Parks en guitarras y otras cuerdas, Larry Goldings al órgano, Jim Beard en piano, la batería de Vinnie Colaiuta, Carla Kihlstedt en violín y el mismo Klein que toca el bajo. El disco se grabó casi todo ‘en vivo’, compartiendo el espacio del estudio para darle un sabor más orgánico: hicieron la canción que da título al álbum en una sola toma, “Homeless Happiness” en dos y ninguna necesitó más de cuatro o cinco.

Jorge Freytag
de www.radiomontaje.blogspot.com

Joe Bonamassa "The Ballad of John Henry" 2009

01. Ballad of John Henry
02. Stop (Samantha Brown)
03. Last Kiss
04. Jockey Full of Bourbon (Tom Waits)
05. Story of a Quarryman
06. Lonesome Road Blues
07. Happier Times
08. Feeling Good (Nina Simone)
09. Funkier Than a Mosquito’s Tweeter (Ike Turner)
10. The Great Flood
11. From the Valley
12. As the Crow Flies (Tony Joe White)

Joe Bonamassa: Voz, guitarra
Rick Melick: Teclados
Carmine Rojas: Bajo
Bogie Bowles: Batería
invitados
Blondie Chaplin: Guitarra, coros
Antón Fig: Batería
David Woodford: Saxo

El disco de blues más esperado del 2009, “The Ballad of John Henry” el nuevo trabajo del cantante y guitarrista Joe Bonamassa ya está en la calle … en las calles de New York, de Los Angeles, de Miami, de Londres, de Madrid, de Tokio, en Buenos Aires, ni noticias, asi que acá le vamos a contar un poco de que se trata este album que sucede al exitoso “Sloe Gin” del 2007 aunque en el medio, el año pasado se editó un trabajo en vivo denominado “Live From Nowhere in Particular”.
Un trabajo producido por Kevin Shirley que trabajó con Led Zeppelín y Aerosmith entre otros y que se mueve entre el blues tradicional, el blues rock eléctrico, el rock and roll, la balada y hasta el hard rock, jugando brevemente con la música country y el ragtime. Dentro de este panorama Bonamassa brilla a la altura de sus mejores trabajos, con solos de guitarra épicos que lo afirman en esa posición de guitar hero que supo construir en los últimos años, pero demostrando que es, ante todo, un gran cantante de blues, quizás el mejor después de Buddy Guy en la actualidad, luciendo su voz y su guitarra en todos los géneros por los que navega, apoyado en su banda habitual formada por el tecladista Rick Melick, el baterista Bogie Bowles y el gran Carmine Rojas en bajo, alguien que supo ganarse unos dinerillos tocando con gente como David Bowie, Rod Stewart (en su primera visita a Argentina), Tina Turner, Julian Lennon y otros. Además, como invitados aparecen Blondie Chaplin, el sudafricano que hace coros con los Rolling Stones, en guitarra y voz, el baterista Anton Fig y el saxofonista David Woodford.
El album empieza con el tema que le da nombre, en ritmo de rock and roll fuerte, continúa con “Stop” uno de los blues más clásicos del disco, un cover, en realidad de la inglesa Samantha Brown, tiene particulares versiones de “Jockey Full of Bourbon” de Tom Waits, “Funkier Than a Mosquito Tweeter” de Ike Turner, “Feeling Good” el blues que inmortalizara Nina Simone y “As the Crow Flies” de Tony Joe White, aunque los puntos más altos del disco son otro blues “The Great Flood” y “Store of a Quarryman” al borde del hard rock.
Otro muy buen trabajo de este joven blusero que a los 12 años sorprendió al propio B.B. King con su forma de tocar la guitarra y que hoy, absolutamente consolidado, se muestra como uno de los artistas más destacados del blues y el rock and roll que uno pueda encontrar. Un gran disco

Guillermo Blanco Alvarado
"NoTanDistintos"
Sabados 19.00
FM Flores 90.7
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