viernes, 9 de enero de 2009

Freddie Hubbard “Straight Life” 1971

01. Straight Life (Freddie Hubbard) VIDEO
02. Mr Clean (Weldon Irvine)
03. Here’s That Rainy Day (Johnny Burke)

Freddie Hubbard: Trompeta
Joe Henderson: Saxo
Herbie Hancock: Piano
George Benson: Guitarra
Ron Carter: Contrabajo
Jack DeJohnette: Batería
Weldon Irvine: Percusión

Como un homenaje al recientemente fallecido Freddie Hubbard vamos a comentar un disco que abrió la década del 70. En el estudio de Rudy Van Gelder se reunían Freddie Hubbard (trompeta), Joe Henderson (saxo tenor), Herbie Hancock (piano eléctrico), George Benson (guitarra), Ron Carter (contrabajo), Jack DeJohnette (batería) y Weldon Irvine (percusión) para grabar “Straight Life” con producción de Creed Taylor.
Desde que Miles Davis plantó la bandera de “Bitches Brew” en 1969, la revolución del jazz fusión era un hecho irreversible. Todo el mainstream del jazz se volcó hacia el nuevo sonido que mezclaba lo eléctrico con lo acústico y proponía armonías y melodías que evocaban a Jimi Hendrix y que dejaban a un creativo e innovador exuberante como Thelonius Monk, al nivel de un tradicionalista recalcitrante. En este entorno, Hubbard, marcado por el propio Miles como su posible sucesor, dejó su huella en el estilo con una trilogía de la cual “Straight Life” es el segundo disco (“Red Clay” y “First Light” son los otros 2). La propuesta de Hubbard es un punto intermedio de fusión; con una estructura de cada tema prácticamente tradicional, incorpora al sonido acústico de la trompeta y el saxo sonidos de piano y guitarra eléctrica con el agregado de percusiones omnipresentes, donde el riesgo está puesto mas en el contrapunto armónico y melódico que en la instrumentación. Fiel al canon de fusión de la época, el disco trae solo 3 temas, 2 extensos (18 y 13 minutos) y uno corto, un dúo con Benson memorable para una balada clásica del jazz. En general el disco es interesante; Hubbard en su apogeo interpretativo entiende de que se trata la nueva corriente y hace un trabajo correcto; lleva a su trompeta hacia lugares no muy conocidos en el hard bop reinante hasta fines de los 60 con un desafío melódico impactante. Henderson en el tenor responde muy bien, influenciado por los experimentos sonoros que estaba realizando John Coltrane y que su muerte a destiempo interrumpieron; el cuarteto rítmico Hancock, Benson, Carter y DeJonhette se maneja con fluidez y dejan establecido que el “nuevo idioma” del jazz es un idioma que ellos ayudaron a construir; la percusión le da a todo el sonido típico del fusión del momento. Afortunadamente, este disco escapó de las garras destructivas de Creed Taylor (responsable de buena parte de la decadencia del jazz y de grandes músicos al convertir la música de jazz en un sonido edulcorado e intrascendente de consumo masivo blanco), quien, por desconocimiento o prematurez, no convirtió este disco en uno de esos productos típicos de su factoría de música anodina y digerible para la masa oyente blanca norteamericana. Estéticamente arriesgado, innovador, sorprendente, virtuoso, indicado por toda la crítica especializada como un gran disco, uno de los mejores de la carrera musical de Hubbard, yo no lo pongo en duda, simplemente, la fusión jazz rock no es mi género favorito; de los experimentos de los 70 lo mejor a mi criterio fue el surgimiento del jazz funk, es mas auténticamente negro, guarda mas las raíces negras de la música como las conservaba el jazz clásico; la fusión me parece un género un poco blanco y con realmente pocas bandas que hayan hecho música excelente, pero este disco muestra a un Hubbard brillante como siempre y acompañado por músicos extraordinarios lo que lo convierte en un trabajo de primer nivel.

Alberto “Tano” Rosso
"NoTanDistintos"
FM Urbana
www.notand.blogspot.com

Rubén Rada & Javier Malosetti “Varsovia” 2007

cd 1
01. Dedos (Rada)
02. Armstrong (Rada)
03. Muy lejos te vas (Rada)
04. Rough Biker (Malosetti)
05. Don’t bug me (Perez, Kizer)
06. Georgia on my mind (Hoagy Carmichael)
07. De por qué no le compro yo (Rada)
08. Que no le compro yo (Rada)
09. Varsovia Stomp (Malosetti)
cd 2
01. Esa tristeza (Eduardo Mateo)
02. Para entender al negro chino (Rada)
03. El negro chino (Rada)
04. Para acunar al negro chino (Rada)
05. Ayer te vi (Rada) VIDEO
06. No me la puedo perder (Rada)
07. Malísimo (Rada)
08. Candombe para Gardel (Rada)
09. Kevorkian (Malosetti)
10. Blumana (Rada)

Rubén Rada: voz y percusión
Javier Malosetti: bajo y voz
Hernán Jacinto: teclados
Oscar Giunta: batería

producido por Javier Malosetti
grabado por Eugenio Torres

“Varsovia” fue concebido como un deseo de Javier Malosetti para tocar junto a Rubén Rada. “Rada es uno de mis héroes musicales de toda la vida, amo su obra y fui a sus shows miles de veces, aún desde mucho antes de hacerme músico, por lo que veo a esta reunión como un gran hito”, dijo Javier. Y algo más para tener en cuenta; ésta es una de las últimas obras de Rubén Rada, ya que luego de ella se dedicará más a colaborar en la carrera musical de uno de sus hijos que a tocar y cantar.
“Varsovia” tiene una excelente armonía musical lograda, nada más y nada menos, con los teclados (y efectos) de Hernán Jacinto, apoyado en la batería de Oscar Giunta, mientras que el bajo y la voz de Javier y la percusión y voz de Rada juegan en las melodías y fusionan jazz y candombe.
Rada, cuando quiere, coloca la voz donde debe estar: en la nota exacta, pero también la utiliza distorsionada dándole el tinte característico de su falsete. Ese mismo falsete que los grandes supieron utilizar, más de una vez, para cubrir coros de sus propios temas que no satisfacían lo que el intérprete buscaba. Rada también lo hace en “Varsovia”; usa el bip bop que tantas satisfacciones le brindó en México, cuando compuso y acompañó temas para otros intérpretes.
De Javier Malosetti ¿qué se puede decir? Alguna vez Javier consideró a su instrumento (el bajo) como algo ingrato y que, quizá, costara ser valorizado por el público. Sin embargo, desde hace muchos años, con su ejecución lo transformó en un instrumento que puede desplegar múltiples sonidos, más allá de los propios y convencionales que lo caracteriza. Como en todas sus obras la interpretación es brillante, limpia, con sentimiento y rigor musical. Más no se puede pedir.
“Varsovia” es una excelente fusión y una puja rítmica constante de jazz y candombe. El resultado es una obra musicalmente rica en compases, a veces extraños, pero de una sonoridad que a entendidos y no tanto los mantiene tensos y relajados, según los deseos de los interpretes. El mejor consejo es dejarse llevar por Varsovia, porque Rada, Malosetti y sus acompañantes hacen todo lo demás.

Hugo Puppo
periodista, usuario

jueves, 8 de enero de 2009

Terence Blanchard “A Tale of God’s Will” 2007

01. Ghost of Congo Square VIDEO
02. Levees
03. Wading Through
04. Ashe (Parks)
05. In Time of Need (Winston)
06. Ghost of Betsy
07. The Water 08. Mantra (Scott)
09. Over There (Hodge)
10. Ghost of 1927
11. Funeral Dirge
12. Dear Mom

Terence Blanchard: trompeta
Brice Winston: saxo
Aaron Parks: piano
Derrick Hodge: bajo
Kendrick Scott: batería
Zachary Harmon: percusión

Oriundo de New Orleans y dispuesto a mantener la memoria viva de lo que fue el desastre del huracán Katrina y en homenaje a la ciudad donde vive y que fue la cuna donde el niño llamado jazz empezó a crecer, Terence Blanchard nos manda este disco, concebido como banda de sonido del documental de Spike Lee “When the levees brokes: A requiem in four acts”
Participan además de Blanchard en trompeta, Aaron Parks en piano, Brice Winston en saxo, Derrick Hodge en bajo, Kendrick Scott en batería, Zach Harmon en percusión, y la Nothwest Sinfonia (strings, 40 miembros, dirigido y arreglado por Blanchard). Frente a la idea del disco, desde el inicio, uno sabe que la propuesta es arriesgada: lo que se va a escuchar tiene dos apuntes; por un lado, es una parte del todo que fue la banda de sonido del documental; por otra parte, conociendo el fondo de la cuestión, se imagina que la música va en búsqueda de crear climas, de sacar a flote, junto con la imagen, emociones que acompañen el pesar de lo que fue la tragedia de New Orleans en 2005. Ocurre lo siguiente: cuando ud. tiene que empezar a explicar la música, darle un sentido, hacer una cronología y una apología de lo escuchado, a mi el asunto me empieza a resultar sospechoso. Admito que no son mi género favorito los soundtracks; pero tratándose de uno de los mejores trompetistas de la actualidad, el crédito y los oídos se abren a la escucha. Y lo que se escucha no es más que un soundtrack pretencioso que, sin imagen, se convierte en algo poco atractivo. En ningún momento logra transmitir un sentimiento profundo, una emocionalidad o una reflexividad; como oyente no me genera esas sensaciones. Nada se puede decir de la banda o de los músicos; tocan muy bien, pero el resultado no logra convencer. El disco transita por momentos con distintos arreglos que lo hacen inconexo; mixtura distintos modos de algo que quiere parecer jazz y que no cierran un conjunto armónico y melódico. Y, llegado el tiempo donde uno se cansa y quiere jazz, se cae en la cuenta que hay muy poco jazz. Y el principal problema, aparte de la composición casi de cliché y poco original e inspirada de cada tema, es la banda sinfónica muy presente en casi todo el disco. El jazz no es para banda sinfónica; los arreglos recargan excesivamente el entorno musical y le restan presencia al solista. Uno podría pensar en una big band, pero una big band de jazz no es una banda sinfónica; y aquí se nota a la legua. Si a esto se le añade que, en la visión de mucha gente, parece ser que para explicar una situación dramática hace falta una sinfonía recargada y oscura junto a la grandilocuencia típica norteamericana, donde los únicos dramas “reales” parecen ser los que les suceden a ellos y no al resto del mundo; todo esto sumado hacen de este disco algo muy aburrido, rápidamente olvidable e intrascendente; un articulito típico de la industria de consumo emocional edulcorada y de escasa calidad, extremadamente yankee. Empatica y simpáticamente uno se acerca al drama sufrido por la minoría negra que pagó las consecuencias de la falta de previsión de las autoridades de N.O., pero, llamativamente por la calidad de Blanchard, este parece ser un disco políticamente correcto para consumo de la masa popular blanca y mediocre de los estados unidos...
Alberto “Tano” Rosso
“NoTanDistintos”

FM Urbana

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Honeyboy Edwards “Roamin’ and Ramblin” 2008

01. Apron Strings VIDEO
02. Crawling Kingsnake (Tony Hollins)
03. Trouble Everywhere I Go
04. I Was in New Orleans Last Night
05. How Long (Leroy Carr)
06. Maxwell Street Shuffle
07. The Army Blues
08. Roamin’ and Ramblin
09. Talking About Little Walter
10. Smokey Mountains
11. Strollin Down Highway 61
12. Low Down Dog
13. Little Boy Blue (Robert Lockwood Jr)
14. Freight Train Tale
15. Ridding the Rails
16. She Worries me All the Time
17. Boogie Rambler (Don Robey)
18. Shufflin the Blues Conversation
19. Jump Out

Honeyboy Edwards: Voz, guitarra
Walter Horton: Guitarra, teclados
Billy Branch: Armónica
Bobby Rush: Bajo
Rick Sherry: Batería

A sus noventa y tres años David ‘Honeyboy’ Edwards sigue luchando, trabajando, viajando y sobreviviendo a la mayoría de sus contemporáneos con una vitalidad envidiable, compartida solamente con su coetáneo Pinetop Perkins. Davis nació en pleno corazón del Delta y viajó por esos mundos de Dios junto a Robert Johnson y Big Joe Williams además de compartir camino, escenario y aventuras con Son House, Charlie Patton, Tommy Johnson, Tommy McClennan, Robert Pete Williams y muchos otros. Edwards fue también uno de los artistas que grabaron para Alan Lomas en 1941, grabaciones que se conservan -y en su momento fueron editadas- en la Biblioteca del Congreso de Washington. Este último trabajo ha sido editado por su gran amigo Michael Frank, propietario de la compañía Earwig, y cuenta con la participación de grandes nombres como Bobby Rush, Billy Branch, Sugar Blue, Johnny ‘Yard Dog’ Jones o el hijo de Willie ‘Big Eyes’ Smith, Kenny. Diecinueve magistrales cortes donde se combinan temas nuevos con alguna que otra joya sacada de archivo, en los que encontramos al propio David Edwards tocando él solo la guitarra y cantando, o junto al gran Big Walter Horton a la voz y la armónica. Un disco importante, imprescindible, necesario. Imprescindible

Ernesto Snajer “Después de Todo” 2006

01. Argentiada
02. Volviendo
03. Elgua VIDEO
04. Zamba del Recuerdo
05. El Poste
06. Por Amor
07. Perfume de Jazmín
08. Inmigrasong
09. Chacarera de los Artistas
10. Después de Todo

Ernesto Snajer: guitarra
Guido Martínez: bajo
Diego Alejandro: batería
invitados
Alejandro Franov
Diego Schissi: piano
Alejandro Devries: piano
Franco Luciani: armónica
Mariano Cantero: percusión

“Después de Todo” es un trabajo en vivo del guitarrista argentino Ernesto Snajer, editado en forma independiente. Snajer es uno de los más destacados guitarristas argentinos de la escena del jazz, tiene solo 39 años y 7 discos editados en solitario, uno de ellos producido por Egberto Gismonti, sin contar colaboraciones con gente como Verónica Condomí o Lito Vitale, y también es muy reconocido en lugares como Dinamarca, donde sus discos se editan con buen suceso y donde grabó junto al guitarrista Palle Windfeldt. y también en España donde actúa habitualmente junto al grupo catalán Inmigrassons.
La cuestión con este disco es que de jazz no tiene mucho, y esto es algo que suele suceder con Snajer, un tipo que tuvo siempre la intención de fusionar al jazz con ritmos argentinos como el folklore o el tango. Y en este disco está sumamente presente, hay chacareras, bagualas, zambas, milongas y muy poco jazz, al menos en lo que tiene que ver con la construcción de las canciones, porque la cuestión jazzera se percibe claramente en varios pasajes, básicamente en los solos del propio Snajer cuando toca guitarra eléctrica, y de los músicos que integran su grupo estable, el bajista (y contrabajista) Guido Martínez, y el baterista Diego Alejandro. A lo largo del disco van entrando en escena distintos músicos, todos de primer nivel como Alejandro Franov, los pianistas Alejandro Devries y Diego Schissi y el percusionista Mariano Cantero, pero quien se luce sobremanera es uno de los nombres nuevos más interesantes de la escena, el armoniquista Franco Luciani, digno heredero de su ídolo Hugo Díaz en la ejecución del instrumento
Un trabajo realmente interesante, grabado en vivo en el Auditorio Cablevisión en 2006, en donde Snajer se luce en la ejecución tanto de la guitarra eléctrica, como la acústica o la criolla con similar virtuosismo y con temas de factura impecable, donde por momentos los diálogos entre los distintos instrumentos tienen gran vuelo.
En definitiva, un disco altamente recomendable, con las salvedades del caso, no es música comercial y tampoco es jazz puro, pero es de innegable calidad.

Guillermo Blanco Alvarado
“NoTanDistintos”
FM Urbana
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Herbie Hancock “River, The Joni Letters” 2007

01. Court and Spark
02. Edith and the Kingpin
03. Both Sides Now
04. River VIDEO
05. Sweet Bird
06. The Tea Leaf Prophecy
07. Solitude (Duke Ellington)
08. Amelia
09. Nefertiti (Wayne Shorter)
10. The Jungle Line

Herbia Hancock: Piano
Wayne Shorter: saxo
Lionel Loueke: guitarra
Dave Holland: Contrabajo
Vinnie Colaiutta: Batería
invitados
Joni Micthell: voz en track 06
Norah Jones: voz en track 01
Tina Turner: voz en track 02
Corinne Bailey Rae: voz en track 04
Luciana Souza: voz en track 08
Leonard Cohen: voz en track 10

Ganador del grammy al disco del año 2007, Herbie Hancock después de una experiencia haciendo dúos semi pop con esa cosa horrorosa de “Possibilities” esta vez acierta el camino haciendo un disco de jazz con la excusa de las canciones de Joni Mitchell. Estamos de acuerdo que hoy por hoy los grammys no valen un pepino; acá se acercaron un poco mas a la realidad... no se si disco del año, pero..
Herbie en piano; Wayne Shorter en Saxo soprano y tenor; Dave Holland en contrabajo, Vinnie Colaiuta en batería y Lionel Loueke en guitarra, con las voces de Norah Jones, Tina Turner, Corinne Bailey Rae, Joni Mitchell, Luciana Souza y Leonard Cohen nos tiran esta colección de baladas de Joni mechaditas con 2 pequeñas obras de arte de Duke y del mismo Shorter. Y realmente, lo hacen bien. Cuando uno lo escucha la primera vez y a las corridas, medio que no se entiende de que va el asunto; pero, cuando ud se instala cómodamente frente a su audio y tira este cd adentro, las cosas cambian. El prejuicio que uno tiene pensando en el otro disco de características similares (Possibilities) predispone de mal modo. Grata es la sorpresa cuando se descubre que esto es jazz con todas las de la ley, de notable calidad; la excusa de reversionar a Joni sirve para un set de baladas de jazz (no smooth jazz) muy bien ensambladas. En general el disco es bueno; esta trabajado, se nota que no es un rejunte de gente tocando y cantando para vender discos. Muy eficiente Hancock, siempre tuvo y tiene una excelente “dicción” en el piano para las baladas, se lo nota cómodo haciendo esto y no se priva de tirar algunas improvisaciones suaves pero feroces, que muestran que el fuego sagrado sigue intacto. Notable Shorter; es uno de los del podio; lo que le den para tocar el tipo lo toca a la perfección y da los tonos justos en el momento justo mostrando que la vieja sociedad del segundo quinteto de Miles es eterna e indestructible. El viejo Vinnie Colaiuta siempre solvente, se nota que es un gran baterista; me sorprende como entendió el código de algo que no es su especialidad y suena limpio, adecuado; sin imitar evoca a los grandes de la batería del jazz dando una impecable base junto a Holland; sobre ese conjunto la música se desliza sin trabas. Dave Holland para mi es un caso de estudio. Indudablemente el tipo es uno de los mejores bajistas de la historia del jazz, y acá lo demuestra; está perfecto, solo Holland puede sacar esos bajos profundos para remarcar la presencia de Hancock y Shorter; le da a las baladas un sentimiento que llega a conmover. No me explico como un genio de este nivel toque tan bien las composiciones de otro y sus propias composiciones sean espantosas. Loueke en guitarra rítmica es un buen ingrediente que completa el sonido amable de todo el disco. Las voces están muy bien; aunque no lo crea, me gusto mucho lo de Noritah; no mucho Tina Turner (se le escapan los alaridos); Corinne, Joni y Luciana suenan muy bien y me parece fantástico lo de Leonard Cohen, al estilo de Hoagy Carmichael con ese recitado del tema final. Un disco muy interesante, realmente bueno; no al punto del disco del año; hay y hubo mucho mejores, pero es muy eficaz a la hora de lograr un clima suave, relajado, muy íntimo; ideal si el plan es compartir muy buen jazz con su chica. Abre un poco más mi confianza en Herbie, que parecía haberse perdido en el mundo musical y que solo estaba interesado en ganar guita.

Alberto “Tano” Rosso
“NoTanDistintos”
FM Urbana
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Coleman Hawkins “The Hawk Relaxes” 1961

01. I’ll never be the same VIDEO
02. When day is done
03. Under a blanket of blue
04. More than you know
05. Moonglow
06. Just a gigolo
07. Speak low

Coleman Hawkins: Saxo tenor
Kenny Burrell: Guitarra
Ronnell Bright: Piano
Ron Carter: Contrabajo
Andrew Cyrille: Batería

Coleman Hawkins, saxo eterno, prodigio y padre del saxo tenor, pionero del solo. Podía ser avasallador, o indeciblemente cálido. Su formidable dominio del saxo causa estragos aún hoy. Su estilo se basa en una titánica gama de matices, unido a una inusitada sonoridad y firmeza en su sonido, gran fortaleza en los temas rápidos y un prodigioso lirismo en las baladas, raramente logrado por otros saxofonistas. Imposible no conmoverse ante una balada suya, y junto con Ben Webster, Lester Young y Phil Woods, es el mejor baladista del jazz. El grupo es muy joven (el mayor tiene 29 años) pero fabuloso: Poco que decir del futuro mítico guitarrista Kenny Burrell (que tocó en varios LP’s de Coleman) y del bajo, Ron Carter. Ronnell Bright es un talentoso pianista y compositor. Ha grabado 4 LP’s en solitario, y muchos con Carmen McRae, Shirley Scott, Buddy Tate, Sarah Vaughan o Quincy Jones. Y Andrew Cyrille, buen batería, especialmente suave con las escobillas. Lo inicia “I’ll never be the same”, amado por tantos saxos (recordar la bellísima versión de Stan Getz en “The Peacoks”). Su lectura es serena, de gran fuerza expresiva. Y comienza... contenido. Pero su belleza se adueña de los músicos gradualmente, y a mitad irrumpe la increíble guitarra de Kenny que, igual que Coleman, acaricia las notas, muy brevemente. Ronnell demuestra porqué está allí. Coleman, siempre magnífico, también lo es escogiendo sus músicos. Ronnell, joven pero con gran sabiduría en sus dedos, toca mucho, y muy bien. ”When day is done” es, quizá, aún más bello. Coleman y Kenny, solos. Y se bastan. Kenny sigue a Coleman y éste se apoya en él, y la pieza es tan bella que, sola, justifica comprar el LP. “Under a blanket of blue”, bellísima balada entre las baladas, muestra que el LP, aún no planteado así, es un cara a cara entre Kenny y Coleman, que toca algunos de sus mejores solos. Kenny no calla ante los ataques del maestro, cuyo discurso es cada vez más bello e intimista... más tenue, y se torna íntimo y lentísimo, casi un estertor dulcísimo, y destaca el piano, denso y hermoso. “More than you know”, perfecta entrada de Kenny, maestro absoluto, el piano, tan libre... de pronto irrumpe el majestuoso saxo y comprendes qué es la belleza. Su discurso es tranquilo, relajado, su timbre desafiante, de gran claridad y fuerza expositiva, y te acomodas y relajas tú también, el tema lo pide. “Moonglow”, casi un tiempo medio. Coleman acelera su saxo y comienza él sólo, haciendo lo que hace mejor que nadie, exprimir el tema hasta el final, y Ronnell toma su lugar, y cada vez me gusta más. Kenny improvisa un largo solo cargado de hermosura. Su guitarra dibuja bellísimos sonidos, y Coleman ofrece una última y acertadísima cascada de solos. “Just a gigolo”. Pero...¿No era rápida?. Coleman ofrece una versión lenta, de belleza especial, su saxo nos lleva a un club de jazz, poca gente, atenta, paladeando los solos. Y entra Kenny. ¡Cómo toca!. Es puro algodón y terciopelo, y vuelve Coleman y notas el perfecto equilibrio del grupo, y aplaudes la labor de Ron. Sientes oir las notas finales de Kenny y Ronnell, pues el LP acaba. Y antes, “Speak low”, tiempo medio casi rápido, pegadizo, de gran fuerza expositiva, protagonizado por Coleman. Y aún oirás a Kenny. Coleman interrumpe su discurso y entra él, y acelera el suyo, y también Ronnell. Y vuelve Coleman, que guarda un largo solo relevante por su fuerza, volumen y sobriedad contenida. El LP acaba, y sabes que has vivido un momento único. Elegante y sofisticado, distinguido, dueño de una sonoridad devastadora, Coleman logró lo imposible: sustituir la trompeta, símbolo del jazz, por el saxo. Y es que, tras él, éste nunca será igual. Con Coleman, el saxo logró la plenitud, convirtiéndose en pilar fundamental del jazz. Fue el primer saxo tenor trascendental, y durante su largo reinado, careció casi de rivales, pocos le igualan en grandeza. Un consejo: atrévete con él, su hechizo te fascinará, te causará una profundísima emoción, una sensación única, inolvidable.... y si no lo conoces, me encantaría descubrírtelo

Antonio Borrero Sánchez
de http://www.jazznoend.com/

lunes, 5 de enero de 2009

Daniel Maza "Al Contado" 2007

01. Samba a Luizao Maia VIDEO
02. New Cambome
03. Dedos
04. Mateo te Amo
05. Un samba para Tobías
06. Historia de un Amor
07. Urufunk
08. La Burrita
09. Amnesia
10. La Murga Rosa
11. Candombe Bailador

Daniel Maza: Bajo y Voz
Abel Rogantini: Piano
Fabián Miodownik: Batería
Yeye López: Percusión

producido por Daniel Maza
grabado por César Silva

La nueva propuesta discográfica de Daniel Maza incluye clásicos de notables autores y composiciones propias donde confluyen candombes, funkys, murgas, boleros, cumbias y fusiones con ritmos rioplatenses.Maza, con el aporte de Abel Rogantini en el piano, un artista de innegable madurez musical, Yeye López en la percusión y Fabián "Sapo" Miodownik en la batería, contribuyen al disco una visión jazzística notablemente visibles en los temas que incluyen este Cd.“Al contado” nos enfrenta a un Daniel Maza que con esta nueva propuesta logra reflejar el grado de madurez que alcanzó su carrera, sabe utilizar sus recursos, y se encuentra definido en su propio estilo.Un artista que tocó con gente como Celia Cruz, Djavan y los hermanos Fattoruso, dotado de un gran virtuosismo, con músicos que saben interpretar su idea, el bajista oriundo del barrio Cerro de Montevideo, Uruguay, deja entrever en los once temas que ofrece este disco todo su talento, su experiencia y su alquimia que transforma en oro toda composición que llega a sus manos.

extraido de El Guitarrista Net
http://www.elguitarristanet.blogspot.com/

Bob Telson & Isabel De Sebastián “Trip” 2007


01. Sense of Balance (Bob Telson)
02. Show me Your Face (Bob Telson)
03. Lifetime (Bob Telson, Lee Breuer)
04. Princesita (Bob Telson)
05. Barefoot (Bob Telson, K.D. Lang)
06. Calling You (Bob Telson) VIDEO
07. Here (Bob Telson, Percy Adlon)
08. Love Unconquerable (Bob Telson)
09. Eah Time She Takes One (Bob Telson)
10. Mariana (Bia Krieger)

Isabel De Sebastiàn: voz
Bob Telson: piano, voz
Marc Shaiman: guitarra
Guillermo Vadalá: bajo
Denny McDermott: batería
invitados
Jacques Morelembaum: cello
Cyro Baptista: percusión
Nico Cota: percusión
William Gallison: armónica
Marcelo Etchemendi: guitarra
Jeveeta Steele: coros
Lokua Kanza: coros

Vamos a hablar de un disco que tiene una historia muy especial, porque vamos a referirnos a Bob Telson, prestigioso músico estadounidense, autor de innumerables bandas de sonido de películas y que ustedes reconocerán fundamentalmente por “Bagdad Café” y su tema central “Calling You” que por ejemplo ha versionado George Michael. Resulta que Telson se casó con una argentina, Isabel De Sebastián, la cantante del grupo pop de los 80 Metrópoli y se vino a vivir con ella a nuestro país hace algunos años, aunque buena parte de su trabajo siga estando en Estados Unidos.
“Trip” es el primer trabajo conjunto del pianista y compositor norteamericano Bob Telson y su esposa, la cantante argentina Isabel De Sebastián. Un disco que arranca con un estilo cercano al jazz vocal, donde ella se luce y muestra su notable evolución desde sus épocas de cantante pop. Después se interna dentro de la balada con el piano, ejecutado notablemente, como elemento de casi único acompañamiento de la voz, produciéndose en algunos momentos un contrapunto de alto vuelo entre ambos. Hay algo de rock, momentos de un reggae muy suavecito, bolero, salsa, latin jazz, pero sin apartarse nunca de los tonos cálidos que marcan el piano de él y la voz de ella. El disco es un repaso de la obra de Telson como compositor de música de películas y obras de teatro y si bien, lo más conocido es “Bagdad Café” la película de Percy Adlon, también lo ha hecho en otras como “Salmonberries” del mismo director, “The Gospel at Colonus” con Morgan Freeman, “Día del Padre” película francesa con Thierry Lhermitte, “Younger and Younger” con Donald Sutherland y ya instalado en la Argentina “La Vida Según Muriel” de Eduardo Milewicz. Todas estas películas son visitadas en este disco, donde además participan, el gran cellista brasileño Jacques Morelembaum, el cantante zaireño Lokua Kanza, Jeveeta Steele, la voz original de “Calling You”, Marc Shulman en guitarra, Denny McDermott en batería y el argentino Guillermo Vadalá en bajo como banda estable más William Gallison en armónica, y otros argentinos como Nico Cota o Marcelo Etchemendi. Además Telson se anima como cantante, con bastante afinación y buen gusto en su renovada y exquisita versión de “Calling You” Un muy buen disco, alejado de ritmos frenéticos, simple y cálido, sin estridencias ni pretensiones desmedidas basado en la combinación de excelentes músicos desarrollando armonías sencillas donde se alterna algún solo de guitarra o saxo. Y quizás el hecho de mantener un tono similar sea su gran virtud y a la vez, un defecto para algunos a quienes pueda resultarle aburrido. Todo es opinable, claro.

Guillermo Blanco Alvarado
“NoTanDistintos”
FM Urbana
http://www.notand.blogspot.com/

Robben Ford “Blues Connotation” 2002

01. City Life VIDEO
02. One Day At A Time
03. I Could See Forever

04. Wanderlust
05. Billi's Bounce
06. I Put Spell On You (Screamin Jay Hawkins)

07. Blues Connotation
08. Blues Connotation Reprise


Robben Ford: guitarra
Ralph Towner: teclados
Anthony Cox: bajo
Jerry Granelli: batería
invitados
Bill Frisell: guitarra
Charlie Haden: contrabajo
Kenny Garret: saxo alto

Julian Priester: trombón

A diferencia de otros discos que suelo comentar a menudo, este si que es un disco que no puedo recomendar para todas las orejas. Tampoco puedo destripar los temas uno por uno, porque tendría que utilizar un lenguaje que la mayoría si no habéis estudiado música o estais estudiando no comprendereis.No puedo evaluar tampoco los temas porque a todos les pondría un 10, jejeje, es Robben Ford. Este americano de 56 años se dio a conocer al mundo en 1986 de la mano nada mas ni nada menos que de Miles Davis, si bien su primer disco lo editó allá por el 72. Fue miembro fundador de una excelentísima banda, los Yellowjackets, y a su lado ha tocado lo mejorcito del jazz, del blues y del soul, y el ha tocado también al lado de los mejores. Yo me quedo con el disco de los Yellowjackets, pero si tengo que escoger un album de su carrera me quedo con este, “Blues Connotation”. Un disco que aunque a primera escucha parece dificil de digerir no lo es tanto. No es un guitarrista extremadamente espectacular, pero si tremendamente expresivo y efectivo. No es el clásico bluesman, es algo más, es la cream de la cream. Este album es maravilloso para escuchar encerrado en una habitación con una cafetera de buen café o un buen wiskey, varios paquetes de tabaco, poca luz, silencio absoluto, un equipo que suene de la hostia y un buen volumen. Con esto pueden pasar varias cosas, que te emborraches y termines pensando en cortarle las manos a el y su banda o cortarte las tuyas si tocas la guitarra, que no te guste una mierda y termines durmiendote, o que vivas una de las experiencias más relajantes y emotivas de tu vida. El tema que recomendaría escuchar de este disco a todo el mundo es la extraordinaria version de “I Put Spell On You”, si el tema que también han verioneado los Creedence. Es bastante escuchable dentro del blues y crea un ambiente mágico. Para los fans del blues, sin duda alguna el tema que da título al disco, “Blues connotation” es fantástico, y “One Day At a Time” es otra obra maestra de este disco. Por algo lo incluí entre mis 10 guitarristas preferidos, tiene discos o colaboraciones mas rockeras, pero este disco es el que más me apetecía comentar. Suena alucinante, los arreglos musicales increíbles y los músicos que le acompañan para irse con ellos a una isla desierta.
Guechos
usuario de
http://www.ciao.es/