Dr John "City That Care Forgot" 2008

01. Keep on Going
02. Time For a Change
03. Promises Promises (Bobby Charles)
04. You Might Be Surprised
05. Dream Warrior
06. Black Gold
07. We Gettin There
08. Stripped Away
09. Say Whut?
10. My People Need a Second Line
11. Land Grab
12. City That Care Forgot
13. Save Our Wetlands

Dr John: Piano
James Andrews: Trompeta
Wardell Quezergue: Trombón
Alonzo Bowens: Saxo Tenor
Jason Mingledorff: Saxo Barítono
John Fohl: Guitarra
David Barard: Bajo
Herman Ernest: Batería
Terrance Simiens, Tyrone Aiken, Shannon McNally: Coros
invitados
Eric Clapton: Guitarra en track 02, 12
Terence Blanchard: Trompeta en track 11
Willie Nelson: Voz en track 03
Anni DiFranco: Coros en track 12

producido por Dr John y Mike Dorsey
grabado por Chris Finney

Vamos a hablar de uno de los mejores discos realizados por artistas de blues en 2008, según la opinión de los críticos especializados. Y hago esta aclaración porque no hay demasiado blues en “City That Care Forgot” el último disco del gran cantante y pianista de New Orleans, Dr John, que aun no fue editado en la Argentina y que no sabemos si lo será alguna vez.
Uno de los pocos pianistas con real tradición blusera que quedan, es Dr John, solo decir que fue el pianista estrella en el último disco de B.B. King. Acá nos sorprende con un gran disco pero que definitivamente no es de blues, aunque hay un par, claro. Un disco que tiene como eje central el desastre que produjo el Huracán Katrina en New Orleans, su ciudad natal, y desde esa perspectiva va desarrollando distintas letras de crítica, de compromiso, hasta de denuncia o protesta, si se quiere con el aval de ser uno de los artistas que más trabajó por su ciudad en semejante crisis, y no sólo aportando su talento artístico, sino también arremangándose para ayudar a los que lo necesitaban. Todos sabemos que el blues de New Orleans no es igual al de Chicago o al del Missisippi, hay una combinación muy clara con el Rhythm & Blues que le da un sonido muy particular que de a poco lo ha ido volviéndolo un clásico, y en esto, Dr John, junto a Fats Domino y otros es pieza fundamental. Justamente Fats, junto a Bo Diddley, Ray Charles y Van Morrison son las mayores influencias de Dr John, aunque en los ultimos años, esta ultima es la más marcada
Acá podemos encontrar blues, soul, jazz, funk, rock and roll y algunos géneros más, diversidad que se acrecienta con solo nombrar a los cuatro invitados estelares del disco, Eric Clapton, emblema del rock y el blues, el trompetista de jazz Terence Blanchard, Willie Nelson, de cuna en la música country, pero cada vez más cercano al blues afortunadamente y la cantante soul/pop Anni DiFranco.
Usted pensará, con tantos géneros diferentes, con tanto invitado de corrientes distintas, esto puede ser una ensalada incomible, pero no es así; el disco está muy bueno aunque quizás a los bluseros super tradicionales no les guste demasiado, pero al que conoce y admira la trayectoria de este artista no lo va a sorprender mucho. El album comienza con “Keep on Going” un swing que deriva hacia el soul y es seguido por el corte de difusión “Time For a Change” un funk donde luce la guitarra de Clapton. Willie Nelson aporta su voz para hacer a duo “Promises, Promises” un blues de piano que no es de lo mejor del album. Blanchard aparece con su fabulosa trompeta en uno de los temas de corte más jazzero “Land Grab” y la voz de DiFranco se disfruta en el tema que da nombre al album, uno de los pocos blues junto a “You Might Be Surprised” y “Dream Warrior” otros puntos altos de un trabajo que puede ser considerado uno de los mejores de la irregular carrera de este notable artista.

Guillermo Blanco Alvarado
“NoTanDistintos”
Sábados 19.00
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Fred Hersch "Live at the Vanguard Village" 2002

01. Bemsha Swing (Thelonius Monk)
02. At the Close of the Day
03. Phantom of the Bopera
04. Endless Stars
05. Swamp Thang
06. Stuttering
07. Some Other Time (Sammy Cahn)
08. Days Gone By
09. Miyako Black Nile (Wayne Shorter)
10. I’ll Be Seeing You (Sammy Fain)

Fred Hersch: Piano
Drew Gress: Contrabajo
Nasheet Waits: Batería

A mi juicio, Fred Hersch es uno de los maestros “jóvenes” del piano jazzístico contemporáneo. Los otros son Kenny Werner, Marc Copland y Jessica Williams; todos tienen poco más de cincuenta años. Además, los tres primeros han sido profesores de pianistas que hoy están en primera línea de fuego (Brad Mehldau, Bill Carrothers, Ethan Iverson). Hersch tiene una personalidad pulcra que funde el temperamento lírico --con Bill Evans planeando sobre sus vuelos-- y la experimentación, lo que lo acerca a Thelonius Monk. En definitiva estamos hablando de un pianista que funde las dos tendencias dominantes del piano jazzístico (si recordamos y reconocemos que hasta en Cecil Taylor se hallan huellas de Monk). Un elemento singulariza el estilo de Hersch, el toque, la simple acción sobre las teclas y los pedales; la percepción de que detrás de esos sonidos hay unos actos físicos muy equilibrados y controlados es muy evidente cuando entramos en contacto con su música. En su reciente obra “Songs Without Words” (de 2000, una caja de tres CD para el sello Nonesuch), esa suerte de compromiso “físico” con la música es patente, aunque siempre dentro de los márgenes de una sensibilidad exquisita, que nunca se excede ni declama, ni necesita demostrar su firmeza. El trío de este recital en el Village Vanguard (Drew Gress es un colaborador habitual de Hersch desde hace muchos años) muestra, en materia de repertorio, y dentro de las composiciones del propio pianista, la proveniencia polivalente a que aludo. Hay también --no podía ser menos-- un tema de Monk y un delicioso “Miyako” de Wayne Shorter. Una buena oportunidad para adentrarse en el mundo de uno de los grandes pianistas del jazz.

Carlos Sampayo
escritor

Javier Asencio "Ciclos" 2007

01. Intro Sin Aliento
02. Sin Aliento
03. Karma
04. Ciclos
05. Quimera
06. Acabose
07. Un Hombre una Sombra
08. Algún Otro Yo

Javier Asencio: Piano
Enrique Norris: Corneta
Carlos Lastra: Saxo
Carlos Alvarez: Contrabajo
Marcelo Blanco: Batería

La irrupción del pianista Javier Asencio es un motivo de celebración en el jazz local. Su disco “Ciclos”, de reciente lanzamiento por el sello MDR Records refleja cierta originalidad en la estructura de los temas y en los arreglos que nada tiene que envidiar a buenos músicos europeos que hoy ganan la escena internacional. Con un notable buen gusto por las melodías, Asencio muestra madurez en las composiciones, todas propias, y una saludable ductilidad para desenvolverse en trío o en quinteto. El álbum tiene un formato de trío básico, con Marcelo Blanco en batería y Carlos Alvarez en contrabajo, que se enriquece con los aportes de Carlos Lastra en saxo y Enrique Norris en corneta. Sin ánimo de elogio fácil, hay que admitir que no hay punto! s vulnerables en este trabajo. “El otro y el yo son el piano y su intérprete, o viceversa. Se funden los climas, se recorren en círculos sonoros de ciclos concéntricos y abiertos a la vez”, dice en el cuadernillo de presentación. En tren de definir referentes, el pianista nombra a dos colegas de fuste, Marc Copland y Fred Hersch. El hombre tuvo formación clásica y se internó en el jazz tras esuchar años atrás al dúo de piano de Jorge Navarro con Baby López Furst. Asencio tuvo dos fechas en Notorious este mes con el trío, aunque Hernán Mandelman se sentó a la batería para la ocasión. No en vano, el trío de Asencio fue el elegido por los organizadores del Festival de Jazz de la Ciudad de Buenos Aires, para la presentación de la programación ante la prensa e invitados especiales. Fue una acertada opción.

Ezequiel de Olazabal
de www.codigojazz.com.ar

Tab Benoit "Night Train to Nashville" 2008

01. Night Train to Nashville
02. Solid Simple Things
03. Darkness
04. Too Sweet For me
05. Moon Coming Over the Hill
06. Lost in Your Lovin’
07. Rendezvouz With the Blues (Jim Hall)
08. Fever For the Bayou
09. New Orleans Ladies (Leon Médica)
10. Muddy Bottom Blues
11. Stackolina

Tab Benoit: Voz, guitarra
Jim Odon: Guitarra
Nelson Blanchard: Teclados
Tony Haselden: Banjo
Leon Médica: Bajo
David Peters: Batería
Mark Duthu: Percusión
invitados
Jim Lauderdale: Guitarra, voz
Johnny Sansone: Armónica, voz
Kim Wilson: Armónica, voz
Waylon Thibodeaux: Washboard

producido por Tab Benoit & David Z
grabado por Salvador Greco

Es muy difícil decir que algo es lo mejor de, sin caer en ser “esto es lo mejor de lo que yo escuché” y sobre todo si ese algo es lo mejor de lo poco que yo puedo escuchar de blues en un año. Debo reconocerlo, no soy una persona autorizada a opinar de blues y es bueno que lo diga aunque a ustedes no los emocione, pero esa es la cruda realidad, ni escucho todo el día blues, ni nací en Tenessee, Mississippi o Louisiana, ni soy negro, ni tengo los méritos necesarios para decir, este es el mejor disco de blues. Pero como tengo que hacerlo elijo el que más me gustó de los que escuché. Tab Benoit debe ser mucho más arriesgado que yo, así que me libera de culpa. Alguien, que una tarde volando en un avión decidió que volar no era lo que quería hacer en su vida y le dijo a su patrón que dejaba de entregar combustible en aviones para tocar blues; el patrón se rió de él…hizo mal, Benoit sabía lo que quería y hoy muchos años después de esa decisión está convertido en un sólido exponente del blues del siglo XXI. Su familia tampoco estuvo muy contenta de escuchar su decisión en ese momento, supongo que ahora sí estarán un poco más felices, tienen a un bluesman de fama en la familia.
Un disco en vivo redondito por donde se lo mire, que nos muestra una presentación de Tab en el 2007 y editado este año, contando con la colaboración de varios de los mejores músicos de blues de la escena como Jim Odom en guitarra, Tony Haselden en banjo, Nelson Blanchard en teclados, Leon Medica en bajo, David Petters en baterìa, Mark Duthu en percusión. Además con invitados como Jim Lauderdale, Johnny Sansone, Kim Wilson de los Fabulous Thunderbirds y Waylon Thibodeaux.

Roberto Lucio Sampere
“NoTanDistintos”
Sábados 19.00
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Bob James "Joy Ride" 1999

01. Take me There (Chuck Loeb)
02. Raise the Roof (Tim Heintz, Steve Dubin)
03. It’s All Right (Ricky Peterson)
04. Swing Set (Bob James)
05. Joy Ride (Bob James)
06. What’s Up (Paul Brown, Brian Cullbertson)
07. Fly By (Harvey Mason)
08. The First Time (David McMurray)
09. Strollin (Nathan East)
10. Sweet Talk me Now (Bob James)
11. Trade Winds (Michael Colina)
12. Bisso Baba (Richard Bona)

Bob James: Piano
Harvey Mason, Michael Colina, Tim Heintz: Teclados
Brian Cullbertson: Sintetizadores, Programaciones
Lee Ritenour, Chuck Loeb, Paul Brown: Guitarra
Chris Botti, Jerry Hey: Trompeta
David McMurray, James Boney: Saxo
Nathan East, Richard Bona: Bajo Eléctrico
Alex Al, Will Lee: Contrabajo
Steve Dubin, Billy Kilson: Batería
Lenny Castro, Leonard Gibbs: Percusión
Rasheeda: Voz

producido por Harvey Mason, Chuck Loeb y Paul Brown
grabado por David McMurray

En 1999 una de las leyendas vivientes del Jazz Contemporáneo, el pianista Bob James, nos presentó a "Joy Ride", una producción de Harvey Mason, Chuck Loeb y Paul Brown para la Warner Bros. Este nuevo CD cuenta con 12 canciones en donde James interpreta desde el clásico piano acústico hasta el Fender Rhodes, instrumento que lo hizo famoso en la década de los 70. “Joy Ride” se puede decir que es un All Star CD, ya que grandes músicos se hicieron presentes para colaborar al lado de Bob James, comenzando por el guitarrista Chuck Loeb, quien además de interpretar la guitarra, estuvo en la producción y composición de varias de las canciones, al igual que el saxofonista David McMurray. Ellos, por cierto no se limitaron al trabajo del CD, sino que también realizaron junto a Bob James,la gira promocional del disco. Personalmente considero a “Raise the Roof” una de las mejores canciones del CD, en donde James Boney se hace presente con la inconfundible tonalidad de su Saxo Tenor. Esta canción, junto a "What's up" son las que más han sonado hasta el presente. Otro tema interesante es “Fly By”, compuesto por Harvey Mason quien tambièn tocó teclados en esta canción. “Joy Ride” estuvo nominado a los Grammys en Jazz Contemporáneo para la entrega del 2000. amentablemente, no se llevó el premio, sin embargo, es un CD que no se debe dejar de considerar al momento de comprar buena música.

extraido de Jazz Contemporaneo
www.jazzcontemporaneo.com

Javier Colina "Si Te Contara" 2006

01. Softly (Hammerstein)
02. Quirino con su Tres (N.Guillén)
03. He Perdido Contigo (Luis Cárdenas)
04. Night and Day (Cole Porter)
05. Si te Contara (Felix Reina)
06. Capullito de Alelí (Rafael Hernández)
07. Dos Gardenias (Isolina Carrillo)
08. La Tarde (Sindo Garay)
09. Ay Que Bueno (tradicional)

Javier Colina: Contrabajo, voz en track 08
Perico Sanbeat: Saxo
Julio Padrón: Trompeta
Joaquín Oliveros: Flauta
Dayron Ortega: Guitarra
Pancho Amat: Tres, guitarra, coros
Emilio Del Monte: Batería
Gilberto Noriega, William Borrego: Percusión
invitados
Juan Duquende Cortés: Voz en track 03, 07
Santiago Auserón: Voz en 09
Osdalgia Gomez: Voz en 02, 09

Si el jazz es el arte de la sorpresa, el contrabajista Javier Colina ha cumplido a fondo con la vieja definición de Whitney Balliet en éste, que sepamos, su primer disco como líder. Agente principal del jazz flamenco con el trío de Chano Domínguez, sideman de estrellas internacionales del jazz, colaborador permanente de los flamencos, Colina podía haber salido por cualquiera de estos palos. Pero el contrabajista también ha tocado con Compay Segundo y la Fort Apache Band, y lo sigue haciendo con Bebo Valdés. Y Colina se fue con el saxofonista valenciano Perico Sambeat a grabar a los legendarios estudios EGREM de La Habana, con un amplio arco de músicos cubanos de varias generaciones. Y juntos abordan diversos palos. Así, estándares norteamericanos como “Softly” y “Night and Day”, batidos a ritmo de son cubano. Pero también clásicos cubanos de la misma época, con voces ad hhoc y otras aflamencadas por la pasión y el saber de Juan Duquende Cortés. Para esta empresa Colina ha contado como gran aliado con Pancho Amat, maestro del tres, la pequeña guitarra cubana, y agente principal armónico en ausencia de piano. Colina coincidió con él en la banda de Santiago Auserón, que canta en el tema que cierra un disco presidido por el acierto. Y calentito.

Javier de Cambra
de http://www.todaslasnovedades.net

Ron Carter "Dear Miles" 2007

01. Gone (Gil Evans)

02. Seven Steps to Heaven (Miles Davis)
03. My Funny Valentine (Lorenz Hart, Richard Rodgers)
04. Bag’s Groove (Milt Jackson)
05. Someday my Prince Will Come (Larry Morey)
06. Cut and Paste (Ron Carter)
07. Stella by Starlight (Ned Washington, Victor Young)
08. As Time Goes By (Herman Hupfield)
09. Bye Bye Blackbird (Mort Dixon)
10. 595 (Ron Carter)

Ron Carter: Contrabajo
Stephen Scott: Piano
Payton Crossley: Batería
Roger Squittero: Percusión

producido por Ron Carter & Robert Freedman
grabado por Jim Anderson

Nos toca presentar un disco nuevo, de 2007 pero de un músico de la época de oro y de las ligas mayores; Ron Carter, el bajista que fue actor de una de las partes mas importantes del jazz, el segundo quinteto de Miles Davis. Aquí en un set de 10 temas; 8 standards y 2 composiciones propias. Si Ud pensó que, con ese título, el gran Ron Carter iba a hacer un disco de reversiones de los temas de Miles, pues bien, se equivoca por completo. Con una banda en formato de cuarteto, Stephen Scott (piano), Roger Squitero (percusión), Payton Crossley (bateria) y el propio Ron Carter (contrabajo), atención: no hay trompetista! Carter toma el book de standards favoritos que tocaba Miles en vivo, hace una selección de los mas significativos y les pone su banda. Simplemente eso; en ningún momento la intención de Carter parece ser la de reinterpretar los clásicos propios de Miles; con solvencia, creatividad, buen gusto y delicadeza Carter y sus muchachos se dedicaron a tocar de un modo superior y muy imaginativo buen jazz. El título termina siendo solo un título; una carta a un amigo en la que le cuenta su visión de las cosas que le gustaban al amigo, sin intentar imitar ideas, estilo o modo de interpretación; difícilmente se puedan asociar las interpretaciones que Carter y Davis hacen sobre el mismo tema. Y esto le da al disco un mérito extra: el sonido y el modo de tocar es el propio de Carter y su banda. Es para escuchar y disfrutar el estilo clásico de Carter, sobrio sin ser rígido, suave, muy atento a la melodía y, algo que le da un tinte particular al disco es que Carter se despacha a gusto con muy buenos solos para desplegar todo su oficio y experiencia. Muy bien acompañado por el piano; Scott y Carter establecen un notable nivel de diálogo sin estridencias y sobre una sutil y sensible base dada por la batería y la percusión, que va aportando detalles tímbricos interesantes (que haya percusión es algo no común en las bandas de jazz “tradicionales”); la combinación que hacen como base rítmica le da un buen soporte a todo el conjunto. En síntesis, todo anda muy bien en un muy lindo disco, tal vez no sea ni el mejor de Carter ni vaya a ser un fundamental del jazz; esto no le quita el mérito a Carter de producir buena música. Amigable para todas las ocasiones, es un disco recomendable para todo público.

Alberto “Tano” Rosso
“NoTanDistintos”
Sabados 19.00
FM Flores 90.7
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Modern Jazz Quartet “Pyramid” 1959

01. Vendome
02. Pyramid
03. It Don’t Mean a Thing
04. Django
05. How High the Moon
06. Romaine

Milt Jackson: Vibráfono
John Lewis: Piano
Percy Heath: Contrabajo
Connie Kay: Batería

Quizás la mejor noticia para los jazzeros de la Argentina en estos dos últimos años, ha sido la gran cantidad de re ediciones de los clásicos de este género (y también del blues) de todos los tiempos. Buena parte de la obra de gente como Miles Davis, John Coltrane o Charles Mingus nuevamente en las disquerías y con formato acorde a los tiempos que corren. Dentro de esta movida, acaba de relanzarse “Pyramid” del año 1959, uno de los discos más celebrados del Modern Jazz Quartet, aquel fantástico grupo liderado por el afamado vibrafonista Milt Jackson y el influyente pianista John Lewis, y que completaban los notables Percy Heath en contrabajo y Connie Kay en batería que unos años antes había reemplazado al brillante Kenny Clarke. En este disco imperdible, pueden encontrarse perlas como “Django” que Lewis escribió en honor al genial guitarrista Django Reinhardt, “Pyrmid” casi once minutos de magnífico jazz donde cada uno de los instrumentistas tiene su momento de lucimiento, y también “It Don’t Mean a Thing” con un sensacional duelo entre el piano de Lewis y el vibráfono de Bags, con ese envidiable colchón sonoro que le daba el gran contrabajo de Heath y la batería de Kay.

Guillermo Blanco Alvarado
“NoTanDistintos”
Sábados 19.00 hs
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B.B. King "One Kind Favor" 2008

01. See That my Grave is Kept Clean (Blind Lemon Jefferson)
02. I Get So Weary (T-Bone Walker)
03. Get These Blues off Me (T-Bone Walker)
04. How Many More Years (Howlin Wolf)
05. Waiting for Your Call (T-Bone Walker)
06. My Love is Down (Lonnie Johnson)
07. The World Gone Wrong (Missisippi Sheiks)
08. Blues Before Sunrise (John Lee Hooker)
09. Midnight Blues (Shifty Henry)
10. Backwater Blues (Bessie Smith)
11. Sitting on Top of the World (Missisippi Sheiks)
12. Tomorrow Night (Lonnie Johnson)

B.B. King: voz, guitarra
Johnny Lee Schell: guitarra, coros
Dr. John: piano, coros
Neil Larsen: organo
Charles Owens: saxo tenor
Jeffrey Clayton: saxo alto
Ernie Fields Jr: saxo barítono
Darrell Leonard: trompeta
Ira Nepus: trombón
Nathan East: bajo eléctrico
Jim Keltner: batería

producido por B.B. King & T-Bone Burnett
grabado por Emile Kelman

“One Kind Favor” no solo es el mejor álbum de B.B. King en los últimos años. También es uno de los trabajos de estudio más poderosos de su carrera, a la par de clásicos como “Singin the Blues” y “Lucille”. Si aquellos discos primitivos subrayaban sus juveniles aullidos y su guitarra punzante, éste se apoya en los actuales pilares de King: el vibrato lagrimoso de su voz madura salpicado con toques picantes. King ha pasado demasiado tiempo metiéndose hasta el cuello en ingeniosas pero insustanciales producciones apuntaladas por dúos aburridos con artistas como Eric Clapton. Ahora vuelve al centro de la escena, con una gran banda que se mantiene siempre en la parte de atrás del escenario: Jim Keltner (Lennon, Jagger) en batería, Nathan East (Clapton) en contrabajo y el legendario Dr. John en piano. King alcanza una intimidad devastadora en standards como "See That My Grave Is Kept Clean" de Blind Lemon Jefferson y "Blues Before Sunrise" de John Lee Hooker. ¿Cómo fue que este hombre de 82 años se reencontró con su vieja pasión? Con T Bone Burnett, naturalmente, el productor cuyo menospreciado toque ayudó a Robert Plant y John Mellencamp a llevar sus años maduros con dignidad. Esos proyectos no fueron más que ensayos generales para éste.

Mark Kemp
de la revista Rolling Stone
http://www.rollingstone.com.ar/nota.asp?nota_id=1057031

Stanley Clarke, Al Di Meola & Jean Luc Ponty “Rite of Strings” 1995

01. Indigo (Al DiMeola)
02. Renassaince (Jean Luc Ponty)
03. Song to John (Stanley Clarke, Chick Corea)
04. Chilean Pipe Song (Al DiMeola)
05. Topanga (Stanley Clarke)
06. Morocco (Al DiMeola)
07. Change of Life (Jean Luc Ponty)
08. Canción de Sofía (Stanley Clarke)
09. Memory Canyon (Jean Luc Ponty)

Stanley Clarke: Contrabajo
Al DiMeola: Guitarra Acústica
Jean Luc Ponty: Violin

Un trío se reúne: 2 viejos conocidos de la gran banda de fusión que fue Return to Forever junto a un pequeño francés, explorador de varios géneros musicales y que en cada trabajo siempre sorprendía con un sonido difícil de clasificar pero de un excelente nivel, el único que merece el título de sucesor de ese otro francés, Stephane Grappelli. La clave: acústica; algún mínimo efecto en uno o 2 temas; el resultado: una obra de arte. No me cree?... escuchelo y yo le doy detalles.Que se puede esperar de un bajo acústico, un violín y una guitarra? Una combinación, al menos, extraña, poco frecuente. Ahora agreguemos nombres: Stanley Clarke (uno de los bajistas mas notables de la escena musical no solo del jazz, también del fusión jazz rock, del r&b, hasta de la música urbana neoyorquina), Jean Luc Ponty (tal vez, el único violinista vivo que se pueda llamar maestro del jazz; capaz de hacer sonar su violín con una sonoridad que evoca desde una guitarra estilo Jimi Hendrix hasta un saxo a la Charlie Parker) y Al DiMeola (un virtuoso aclamado en todo el mundo; basta recordar su trío de guitarras junto a John McLaughlin y Paco DeLucía). En este punto comienzan a aclararse un poco las cosas; y juntos, en este disco son una combinación de buen gusto, energía, delicadeza, inspiración y pasión. Clarke impecable en el contrabajo; es impresionante la cantidad y diversidad de sonido que logra extraer a un instrumento de base, solo genios absolutos de la talla de Charles Mingus, Oscar Pettiford o Paul Chambers consiguen hacer sonar con esa presencia un bajo. Ponty increíble. En su violín y en sus manos tiene escondida una banda completa: pianos, guitarras, saxos; de todo. Y, lo impactante es que en el momento justo, Ponty hace sonar al violín como el instrumento que a el se le antoje. DiMeola extraordinario, un modo de tocar perfecto; acaricia las cuerdas y cada sonido de su guitarra esta cargado de una emotividad atronadora. Transitando por un sendero entre el jazz y el ambient con apuntes de rock bien puestos (hasta con algún sabor de fondo a flamenco), este es un disco tremendo, excelente; se disfruta desde principio a fin; equilibrado en sonoridad, cálido, orgánico, balanceado, emotivo; un gran despliegue de talento de Clarke, Ponty y DiMeola que, claramente, entienden de que va el asunto, generando un conjunto colaborativo donde no hay una estrella principal que opaque a las otras. De todo este conjunto de cosas, todos salen beneficiados: los músicos, la música en si misma y los oyentes. Un disco magnífico, eterno, memorable; para explorar cada vez que se lo escucha y disfrutarlo a pleno; no importa el género que a uno le guste; música en su mejor y mas alta expresión.

Alberto “Tano” Rosso
"NoTanDistintos"
Sabados 19.00
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Miles Davis “Bitches Brew” 1969

01. Pharoah’s Dance

02. Bitches Brew
03. Spanish Key
04. Miles Run the Voodoo Down
05. Sanctuary
06. Feio

Miles Davis: trompeta
Wayne Shorter: saxo
Bernie Maupin: clarinete
John Mc Loughlin: guitarra
Chick Corea & Joe Zawinul: piano
Dave Holland: contrabajo
Harvey Brooks: bajo eléctrico
Jack DeJohnette & Lenny White: batería
Don Alias & Jim Riley: percusión

En 1969 Miles Davis siente nuevamente la necesidad de cambiar. Era un impulso innato e irrefrenable en él, que le había llevado a tener una influencia decisiva en algunos de las más importantes cambios de tendencia dentro del jazz. A finales de los años cuarenta impulsó el movimiento "cool" con sus grabaciones con el noneto arreglado por Gil Evans, recogidas en "Birth Of The Cool". Sus trabajos orquestales con el propio Evans a finales de los años cincuenta; "Miles Ahead", "Sketches Of Spain", crearon escuela y aún fascinan. El trabajo de hard bop de su primer quinteto a mediados de los cincuenta es considerado como algunas de las mejores grabaciones de todos los tiempos, a pesar de no haber sido excesivamente innovador en su momento. Y decirlo ahora afortunadamente es un poco tópico, pero no está de más recordar que "Kind Of Blue" convirtió su improvisación modal en el stándard inmejorado de los siguientes diez años, y que aún hoy representa, tal vez, la cumbre del jazz como expresión artística.
Pero este enésimo salto no fue comprendido por todos, acusándolo de convertirse en un hereje y de prostituirse comercialmente. Sin duda se trató de un cambio radical, impulsivo, pero que salvó su comercialmente maltrecha carrera. Para llevarlo a cabo Davis se miró en el espejo del rock y del emergente funk. Miles era consciente de que por aquel entonces el favor y el cariño del público negro (su predilecto) hacía tiempo que se dirigía a los coloristas sonidos de Sly & The Family Stone y, antes ya, al soul más académico. Y que el público blanco se hallaba fascinado por un músico negro de rock, al cual Davis respetaba por su pericia e imaginación: Jimi Hendrix. Cada vez más convencido de la conveniencia de introducir instrumentos eléctricos en el Jazz, cada vez más insatisfecho con su propia música y con la dirección que estaba tomando el jazz ("la fealdad del Free-Jazz" como él mismo la definió) su nuevo cambio de rumbo tiene un primer golpe de timón con "In A Silent Way" (1968), un disco atmosférico, hermoso y melódico, pero radicalmente nuevo. El siguiente golpe lo da con "Bitches Brew". A partir de aquí no había, y de hecho no hubo, vuelta atrás.
Fue publicado originalmente como álbum doble de vinilo con tan sólo seis cortes de larga duración. Para grabarlo se nutrió de un personal muy amplio para que grabase simultáneamente: dos bateristas (Lenny White y Jack DeJohnette), dos percusionistas (Don Alias y Jim Riley), dos pianistas (Chick Corea y Joe Zawinul), dos bajistas (Harvey Brooks y Dave Holland), un guitarrista (John McLaughin), un saxo (Wayne Shorter), un clarinete (Bernie Maupin) y él mismo. Todos ellos músicos jóvenes y virtuosos, situados muchos en algunas de las formaciones más punteras de la cada vez más bollante fusión Jazz-Rock. Pero el absoluto radicalismo de la propuesta de Davis y Teo Macero (su productor) desconcierta a los propios músicos, que abandonan el estudio convencidos de no haber grabado piezas enteras válidas de música en las tres sesiones. Y ahí esta la otra innovación de Davis y Macero, su "agenda oculta". Después de la grabación se consagran durante semanas a un minucioso y laborioso trabajo de posproducción, seleccionando las tomas buenas, juntándolas y pegándolas, y en algunos casos repitiendo los mismos fragmentos grabados en una única ocasión como si fuesen los propios riffs de los temas, por medio de primitivos "loops". Todas la técnicas del "overdub", mucho más habituales y empleadas en el rock que en el jazz, son llevadas aquí mucho más allá de lo que el propio rock hacía por aquel entonces Cuando el resultado final llega a la calle se produce un fenómeno de aceptación por parte de la audiencia rock, que consagra el disco al lado de obras entonces en boga como las de Santana o Grateful Dead. El sonido atmosférico del doble sexteto de Davis conecta en cierto modo con la onda reinante, pero en realidad oculta mucho más.
"Pharoah's Dance" abre el disco y ocupa con sus veinte minutos toda la antigua Cara A. Es el tema en el que más se pueden notar las señas de identidad de "Bitches Brew". Repleto de "loops" y editajes, con un motivo recurrente que contiene la trompeta de Davis tratada con el delay mencionado, con McLauglhin tocando unas nerviosas y minimales figuras rítmicas, los pianos y baterías repartiéndose el trabajo, el saxo de Shorter peleando por encontrar intuitivamente su lugar en la maraña de sonidos que produce una banda tan extensa, no hay duda ante todo esto de que el disco es un mundo en sí mismo. Extremo confirmado por la homónima "Bitches Brew", que se desarolla de manera similar durante casi veintisiete minutos.
"Spanish Key" y "Miles Runs The Voodoo Down" son, tal vez, la cumbre del disco. Frente a cierta sensación de cansancio y alargamiento excesivo que producen algunos momentos de los maratones del primer disco, aquí la frenética tensión del banda es sostenida en todo momento, sin que sobre ni un minuto de improvisación, con un McLaughlin en papel estelar. "Sanctuary", una composición de Shorter que Davis ya había tocado en otras ocasiones con un tratamiento absolutamente diferente, es el momento más melódico del disco. Pero el peculiar método de "Bitches Brew" provoca que el arreglo al que es sometido el tema resulte sorprendente y original. Como siempre, la trompeta de Miles se eleva sobre el resto de sonidos para dibujar figuras de azul transparente, de enorme belleza y sugerencia con los mínimos trazos. Ese es en realidad el hilo conductor de toda la movida trayectoria de Miles Davis, en perpetua y gloriosa rebeldía contra su propia obra.

Enrique Martinez
de www.sysvisions.com

Eddie Gomez "Palermo" 2007

01. Palermo (Gomez)

02. Illusion (Karlsson)
03. Missing You (Gomez)
04. On Green Dolphin Street (Washington)
05. Smillin’ Eyes (Karlsson)
06. We Will Meet Again (Bill Evans)
07. If I Should Lose You (Grainger)
08. My Foolish Heart (Young)

Eddie Gomez: Contrabajo
Stefan Karlsson: Piano
Nasheet Waits: Batería

Nuevo disco del gran bajista Eddie Gomez, compañero de ruta durante el período desde 1966 hasta 1977 de Bill Evans. que nos presenta un set de cuatro temas nuevos y cuatro standards. El trío, en este caso formado por Gomez en contrabajo, el sueco Stefan Karlsson en piano y Nasheet Waits en batería, es el grupo en el que mas cómodo se siente Gomez para desplegar su habilidad. A priori, uno se pregunta: ¿que puede haber de nuevo en una formación de trío bajo, piano y batería que no haya sido hecho y escuchado? La respuesta es muy sencilla: en una coctelera o estudio de grabación italiano coloque una buena cantidad de talento; añádase una igual cantidad de inspiración; luego agregue unas generosas gotas de swing, una pizca de interacción, una dosis de cuidado en la selección de los temas, agítese un poco con cuidado de no batir y sírvase en una compactera decente con ganas de buen jazz. Obtendrá como resultado este disco. Aprendida durante sus años con Evans, la comunicación que logra establecer entre sus compañeros de banda es de una fluidez que hace que, tema tras tema, el disco se deslice sobre un camino de seda para completar el grado de excelencia. Karlsson, un pianista notable, despliega una gran energía, sin agresividad; toca mucho y fuerte sin perder la sobriedad, utilizando por momentos un estilo que evoca a Thelonius Monk, con líneas simples y un muy buen uso del silencio para permitir la integración sonora del dúo de base. Waits correctisimo en la batería logra un swing ajustado, hace un muy buen despliegue en toda la batería y es una voz con buena presencia y sentido de la oportunidad. Gomez es un virtuoso del bajo; tocando líneas armónicas y melódicas bien definidas es el ingrediente que da una cohesión perfecta a cada tema del disco. Con todo esto, el disco tiene 2 problemas; uno difícil de solucionar y el otro una pavada que es de solución inmediata. Lo fácil de arreglar es un mínimo problema de ecualización; el bajo de Gomez suena muy seco (producto de un estudio, un microfoneado o una masterización no del todo adecuada; recuerde que el disco fue grabado en Italia, que, si bien dispone de todos los adelantos técnicos en materia de grabación, tal vez no dispone de técnicos que entiendan bien de que va el asunto) así que hay que activar un poco los bajos (graves) de su equipo de audio. Como ve, una nimiedad. El problema más grande lo trae aquí; difícil de conseguir y un poco caro si. Un disco excelente para tener en su colección de jazz, al límite de lo imperdible.

Alberto “Tano” Rosso
“NoTanDistintos”
FM Flores 90.7
http://www.notand.blogspot.com/

John Hammond “Got Love if You Want it” (1992)

01. Got Love if You Want it (Slim Harpo)

02. Driftin’ Blues (Charles Brown)
03. Dreamy Eyed Girl (Newburn)
04. Mattie Mae (Robert Warren)
05. You Don’t Love me (Willie Cobbs)
06. Nadine (Chuck Berry)
07. No One Can Forgive me But my Baby (Tom Waits)
08. You’re So Fine (Little Walter)
09. No Place to Go (Chester Burnett)
10. Preachin’ Blues (Son House)

John Hammond Jr: Voz, guitarra, armónica
J.J. Cale: Guitarra, coros
Specer Oldham: Teclados
Rick Estrin: Armónica
Tim Drummond, Larry Taylor: Bajo
James Crucce, Dobie Strange: Batería
invitados
John Lee Hooker: Guitarra
Little Charlie: Guitarra

producido por John Hammond Jr & J.J. Cale
grabado por Samuel Lehmer

Reconozco que John Hammond nunca ha sido "santo de mi devoción"; he escuchado algunos de sus álbumes y me pasa como con otros muchos músicos: sus trabajos no son "completos", "redondos", ya me entienden... Hay temas muy buenos pero siempre seguido de otro que no lo es tanto, generalmente con demasiado aire pop o folk; esto me desagrada profundamente, sobre todo tratándose de un artista de blues de semejante categoría. Por otro lado, también aclaro que me encanta el folk, tanto el americano como el británico, pero eso es otro tema.Con “Got Love If You Want It”, tuve la misma sensación que con los demás álbumes del artista que he oído, aunque la ejecución con la guitarra (sobre todo con la National) siempre la da un plus de categoría a los trabajos de Hammond.
Editado por el sello Pointblank en el año 1992, consta de 10 temas, y dejando a un lado mi gusto y manías recién explicadas, Hammond interpreta con maestría todos los cortes, demostrando que es un gran guitarrista y un no menos cualificado armonicista. Su voz, sin ser extremadamente curtida, cumple con lo exigido. Los veteranos J.J. Cale y John Lee Hooker así como Little Charlie colaboran en el álbum. La producción también es de J. J. Cale.
Disco recomendable, agradable, con dosis justas de "velocidad rocanrolera" y pequeñas pinceladas de maestría acústica, suficientes para reconocer a un gran guitarrista. Para los muchos fans de Hammond, probablemente este no será su trabajo predilecto, para mí simplemete es uno más de los que ha editado en las últimas décadas, lejos ya de sus comienzos como rescatador e intérprete de blues rural.

Gustavo
de http://www.bluescomentado.blogspot.com/

DeeDee Bridgewater "Red Earth" 2007

01. Afro Blue

02. Bad Spirits (Bani)
03. Dee Dee
04. Mama Don't Ever Go Away
05. Long Time Ago
06. Children Go Round (Demissènw)
07. Griots (Sakhodougou)
08. On My Love (Djarabi)
09. Four Women
10. No More (Bambo)
11. Red Earth
12. Meanwhile
13. Compared To What

Dee Dee Bridgewater: voz
Cheik Tidiane Seck: teclados, voz
Baba Sissoko: percusión, voz
Edsel Gómez: piano
Modibo Kouyaté: guitarra
Aly Wagué: flauta
Ira Coleman: bajo
Toumani Diabaté: kora
Lansine Kouyate: batería
Minino Garay: percusión
Mamani Kèita, Fatounata Kouyaté, King Massassy: coros

Esta vez, Dee Dee Bridgewater se va a Mali a buscar sus raíces africanas y a juntarse con algunos músicos africanos con los cuales hacer éste, su último CD. Un disco especialmente rítmico y poderoso en donde se destacan algunos covers de jazz y blues, y en donde muestra toda su impronta africana en versiones aún más rítmicas de las originales. De esta manera podemos apreciarla hacer una versión aún más poderosa de aquella de los años 70 de “Afro Blue”. Como también una entrega igualmente buena de un clásico de Nina Simone “Four Women” o del tema “Compared to what”. Para muchos podrá parecer algo africano este disco pero sin desmerecerlo creo que se convierte en un proyecto interesante y creativo, que más allá de esto parece estar buscando las raíces del jazz y del blues. Su inspiración por encontrar lo que ella llamaría “casa”, esto es; las raíces, se debe a que ha pasado demasiado tiempo siendo “otras personas” con proyectos que homenajeaban a cantantes femeninas como Billie Holiday o Ella Fitzgerald. Así que esta vez se quiso volver más percusiva y no solo encontrar las raíces del género sino también ella misma. Esta experiencia no solo puede ser apreciada en CD, sino que también, se la puede observar en DVD. Alli se podrá ver su visita a Mali y los procesos de grabación ocurridos en Bamako, junto con el músico Cheik Tidiane Seck. Seck, resulta ser el eslabón perfecto entre el jazz americano representado por Dee Dee y África. Es por eso que la musicalización de este disco está impregnada de sonidos y mixturas de instrumentos locales con el rasgo típico de la canción americana. Pero lo importante de esta mezcla se da por la presencia de músicos internacionales como el percusionista argentino Minino Garay, el bajista Ira Coleman y el pianista boricua Edsel Gómez que terminan conformando su trio estable. Creo que es de destacar la presencia de cantos tradicionales de Mali como el tema “Bani” (Bad spirits), “Shakhodougu” (The Griots) entre otros, que mezclados con el canto en inglés de la cantante americana conforman una interesante mixtura de géneros y tradiciones. Uno de los mejores temas es “Mama Don't Ever Go Away” escritos con el cantante de Mali Ramata Diakité. Este por momentos parece se un álbum hecho para y por mujeres, explica Dee Dee en el DVD, con himnos de la Simone, “Four Women”, o la canción que pregona en contra de los matrimonios forzados que aún se llevan a cabo en Mali “Bambo” (No more) originalmemnte compuesto por Tata `Bambo' Kouyaté. Aparentemente ha sido tan influyente que el gobierno de Mali ilegalizó el matrimonio forzado en los 60s. Creo que es un proyecto interesante que conforma un hito más dentro de las numerosas experiencias musicales de esta cantante de jazz. Y lo más importante, y creo que ella se preocupa en destacarlo es que va en busca de sus raíces. Recomendación: joyita imperdible. No se pierda otros artistas de este pa{is como Amadou et Mariam y Ali Farka Toure

Lic. Valentino Bertone
“NoTanDistintos”
FM Flores 90.7
www.notand.blogspot.com

Magic Slim "Midnight Blues" 2008

01. Let me Love You

02. Full Load Boogie
03. Carla
04. What is That You Go
05. Crying Won’t Let You Stay
06. You Can’t Lose What You Ain’t Never Had (Muddy Waters)
07. Goin’ Down That Road Feeling Bad
08. Loving You is the Best Thing That Happened to Me (Little Milton)

Magic Slim: Voz, guitarra
John McDonald: Guitarra, coros
Danny O’Conner: Bajo
Davis Slim: Batería
invitados
Elvin Bishop: Guitarra en track 05
James Cotton: Guitarra y coros en track 06
Ottis Clay: Voz en track 08

A los 71 años Magic Slim suena tan crudo y sucio como nunca. El es uno de los pocos bluesman que sigue en actividad de aquellos que emigraron desde el Delta del Mississippi a Chicago en los 50'. Su sonido no ha evolucionado a traves de los años pero acaso porqué debería ser de otra forma si estamos hablando del mas puro Chicago Blues. La potente guitarra de Magic y su primitiva voz encuentran un apoyo ideal en su banda The Teardrops conformada por John McDonald en guitarra y voz, Danny O'Conner en bajo y Davis Slim en batería. La primera virtud de Magic Slim & The Teardrops es su honestidad porque tocan un blues simple y profundo que apunta directo al sentimiento.
Abre el disco con un tema de su autoría "Let me love you", un rock donde sobresale la guitarra filosa y la gran voz de Slim que le hace un giño a su ídolo Howlin' Wolf sobre el final del tema en un coro."Full load boogie" es un instrumental que viaja como si fuese la locomotora. "Carla" es un blues lento y arrastrado dedicado a una mujer infiel. "What is that you got" es otro blues lento con un largo solo de guitarra mientras que "Cryin'won't let you stay" es una alegre canción de despedida con la participación de Elvin Bishop en la otra guitarra. "You can't lose what you ain't never had" es una versión del conocido tema de Muddy Waters con James Cotton de invitado. En "Goin down that road feeling bad" Slim saca de su estuche algunos licks de estilo country para colorear la tradicional cancion folk sureña.El disco cierra con una versión de "Loving you is the best thing that happened to me" de Little Milton con el agregado de una sección de vientos mas los coros del gran cantante de soul Ottis Clay.
Un gran disco, lleno de pasión, de respeto a las tradiciones y de ese talento innato que tienen algunos y que es casi imposible describir con palabras.

Francisco Casares
usuario, de Caracas, Venezuela

McCoy Tyner "Guitars" 2008

01. Improvisation I (Tyner, M.Ribot)

02. Passion Dance (Tyner)
03. 500 Miles (traditional)
04. Mr PC (John Coltrane)
05. Blues on the Corner (Tyner)
06. Improvisation II (Tyner, M.Ribot)
07. Trade Winds (B.Fleck)
08. AmberJack (B.Fleck)
09. My Favorite Things (Hammerstein & Rodgers)
10. Slapback Blues (Tyner)
11. Greensleeves (traditional)
12. Contemplation (Tyner)
13. Boubacar (B.Frisell)
14. Baba Drame (Boubacar Traore)

McCoy Tyner: piano
Ron Carter: contrabajo
Jack DeJohnette: batería
invitados
Marc Ribot: guitarra en track 01. 02, 03, 06
John Scofield: guitarra en track 04, 05
Bela Fleck: banjo en track 07, 08, 09
Derek Trucks: guitarra en track 10, 11
Bill Frisell: guitarra en track 12, 13, 14

producido pory McCoy Tyner & John Snyder
grabado, mezclado y masterizado por Randy Funke

Cuando para aquellos que escuchamos jazz se menciona el nombre de McCoy Tyner inmediatamente nos acordamos de su extensa obra solista, de su sociedad esencial con John Coltrane de su maestría para el piano, incluso de su edad. Estas cosas parecen ser que le dan al gran McCoy el derecho de hacer lo que le viene en ganas. Y lo hace. ¿Y sabe una cosa? Lo hace de un modo excelente. Ultimo trabajo de McCoy Tyner, “Guitars”, un disco en compañía de guitarristas. Para los que hacemos el programa radial “NoTanDistintos” el mejor disco de jazz del 2008
El trío de base está formado por McCoy Tyner en piano, Ron Carter en bajo acústico y Jack DeJohnette en batería. Junto a esta base se incorporan Marc Ribot, John Scofield, Bela Fleck, Derek Trucks y Bill Frisell. Un pianista enorme, lleno de una musicalidad, una energía y una técnica maestra, Tyner es uno de esos músicos que hacen que el jazz sea más que música; es una experiencia sensorial completa y evocativa, climática. Tyner es un genio del jazz y lo demuestra cada vez que se sienta delante del piano y esta es una de esas ocasiones. Y un genio no puede dejar de estar rodeado de músicos de su mismo nivel. Ron Carter en el bajo y Jack DeJohnette en batería (viejos amigos desde su época de Miles Davis) completan de una forma monolítica el trío de base, una base como para construir las pirámides musicales que a uno se le ocurran. La tarea de Carter y DeJohnette en este disco es una lección magistral, perfecta; un Carter inspiradísimo que da la nota justa en el momento adecuado y se luce de un modo brillante en sus solos; DeJohnette sigue con esa costumbre (adquirida en infinitas sesiones con Keith Jarret) de tocar perfecto; al igual que Carter en el bajo, no hay un sonido de su batería fuera de lugar; sigue sorprendiendo con su creatividad, su swing y su timing para darle a cada tema el sostén rítmico que necesita. Sobre esta base a prueba de bombas los guitarristas se sienten cómodos; estilos muy distintos que se amalgaman sin perder su identidad. Están todos fantásticos, tocan todos con un nivel altísimo y se me hace difícil destacar a alguno en particular, porque cada uno interviene en un momento climático del disco adecuado, no hay ninguna interpretación que suene fuera de contexto. Un repaso a los grandes éxitos de Tyner, standards y un par de composiciones propias de los invitados hacen un disco que transita de un modo sutil, cálido, delicado y no por ello menos energético y potente, por momentos que van del hard bop al ambient jazz del final del disco; un disco que es una máquina de generar climas y ambientes como pocos. 14 temas “seleccionados a mano” para conformar un disco excelente, una muestra excepcional de jazz con un sonido moderno y original. Lo único que tiene este disco de observable es que acá falta alguien. Alguien que hubiera hecho de esto disco una grabación antológica, histórica... de por si, ya me parece que lo es, pero... para mi, falta Frank Gambale y ahi si que este discos sería una obra de arte absoluta. Contrariamente a la opinión de los “críticos expertos de jazz”, en mi consideración es un fundamental en la discoteca del jazz moderno y un gran puente para aquellos cultores del rock que quieren investigar un poco el jazz. Larga vida al Gran McCoy.

Alberto "Tano" Rosso
"NoTanDistintos"
FM Flores 90.7
www.notand.blogspot.com