John Scofield "This Meets That" 2007

01. The Low Road
02. Down D
03. Strangeness in the Night
04. Heck of a Job
05. Behind Closed Doors (Charlie Rich)
06. The House of the Rising Sun (traditional)
07. Shoe Dog
08. Memorete
09. Trio Blues
10. Pretty Out
11. Satisfaction (Rolling Stones)

John Scofield: guitarra
Steve Swallow: contrabajo
Bill Stewart: batería
Lawrence Feldman: saxo
Roger Rosemberg: saxo
John Swana: trompeta
James Pugh: trombón

invitado
Bill Frisell: guitarra en track 06

“This Meets That”, el disco que está presentando el fabuloso guitarrista de jazz John Scofield, es la excusa perfecta para tenerlo nuevamente en la Argentina. Estamos hablando de uno de los más grandes ejecutantes de la actualidad, un tipo que tocó con Miles Davis, por ejemplo, y también con gente como Herbie Hancock, Pat Metheny o Joe Henderson.
Luego de su unión con el trío Medesky, Martin & Wood, vuelve a su trabajo como solista, acompañado por el bajista Steve Swallow, por Bill Stewart en batería y una magnífica sección de bronces formada por los saxofonistas Lawrence Feldman y Roger Rosemberg, el trompetista John Swana y el destacado trombonista James Pugh, y lo hace con la maestría de siempre; un verdadero virtuoso generalmente más orientado hacia la fusión eléctrica y el jazz rock, que a los sonidos más clásicos del género. Aquí con once tracks, ocho de los cuales son composiciones suyas, y tres covers muy especiales; “Satisfaction” de los Rolling Stones, “Behind Closed Doors” una vieja balada de Charlie Rich, y el tradicional americano “House of the Rising Sun” que interpretaran Bob Dylan y The Animals entre otros, y donde toca como invitado otro monstruo de la guitarra eléctrica: Bill Frisell. Entre los temas propios se destacan “Strangeness in the Night”, lo más parecido a jazz tradicional en todo el disco, con gran lucimiento de los vientos, y “Trio Blues”.

Guillermo Blanco Alvarado

“NoTanDistintos”

FM Urbana

www.notand.blogspot.com

Walter Trout "Hardcore" 2007

01. Gotta Leave This Town
02. Tellin' Stories
03. Finally Gotten Over You
04. Give Me Back My Wig (Hound Dog Taylor)
05. The reason I’m Gone
06. Not Fade Away (Buddy Holly)
07. Channeling Neil Young
08. Sitting on Top of the World (Cream)
09. Tribute to Muddy Waters

Walter Trout: voz, guitarra
Rick Knapp: bajo electrico
Joey Pafumi: batería, percusion

Ultimo disco grabado por el power trio de Walter Trout en vivo en europa con esa mezcla tan particular de blues y rock que trout practica, pero hagamos un poco de historia... ¿Quien es Walter Trout?.Nace en 1951 en Ocean City, Nueva Jersey. Su primer instrumento fue la trompeta que tocaba en la banda de su colegio. Poco después, conoció al gran Duke Ellington, lo que hizo que su carrera se orientara a la música profesional, aunque lo que realmente supuso un punto de inflexión en su vida fue, precisamente, un encuentro de leyendas del jazz, entre las que destacaban: Ellington, Cat Anderson, Johnny Hodges and Paul Gonsalves, celebrado cuando cumplía diez años.A mediados de los 60, Trout cambia la trompeta por la guitarra eléctrica, después de escuchar un álbum que cambió toda su apreciación de la música: The Paul Butterfield Blues Band featuring Mike Bloomfield.
Luego en California, su técnica mejoró de la mano de Finis Tasby, Pee Wee Crayton, Lowell Fulsom and Percy Mayfield y otros muchos. Walter, a menudo, hacía equipo con Deacon Jones y su aprendizaje continuó en otras bandas, como la de John Lee Hooker, Big Mama Thorton, Joe Tex.Integró la mítica Canned Heat, donde se mantuvo hasta 1984. Un día, recibió la llamada para unirse a la legendaria John Mayall´s Bluesbrakers, no lo podía creer, iba a compartir cartel con el guitarrista Coco Montoya. Lo que ellos en realidad no sabían es que ésta dupla elevaría a la John Mayall´s Bluesbrakers a un nivel de ventas de álbumes sin precedentes.Una noche, Carlos Santana, después de ver a Walter tocar totalmente intoxicado, le dijo que estaba desperdiciando un regalo que Dios le había dado. A partir de entonces apartó de su vida las drogas y el alcohol.Walter consiguió reunir a músicos que conocía de Los Ángeles y creó la Walter Trout Band, ahora como trío edita este disco impecable, con lo mejor del blues y el rock and roll que puede salir de su guitarra acompañado por el bajista Rick Knapp y por Joey Pafumi en batería que forman una sólida base para que Trout se luzca en canciones como los clásicos “Not Fade Away” y “Sitting on Top of the World” y los que él mismo compuso.

Hernán Guidi
de www.eljugueterabiosofm.com

Kenny Barron "The Traveler" 2008

01. The Traveler
02. Clouds
03. Speed Trap
04. Um Beijo
05. The First Year
06. Illusion
07. Duet
08. Phantoms
09. Calypso
10. Memories of You

Kenny Barron: piano
Steve Wilson: saxo
Lionel Loueke: guitarra
Kiyoshi Kitagawa: contrabajo
Francisco Mela: batería
Grady Tate: voz
Ann Hampton Callaway: voz
Gretchen Parlato: voz

producido por Kenny Barron & Karen Kennedy
grabado por Jim Anderson

Presentamos hoy el último disco de un interesante pianista que visitó Argentina en ocasión del 6to. Festival de Jazz de la Ciudad de Buenos Aires el año pasado, Kenny Barron, “The Traveller”, un disco en el que no solamente se escucha el piano de Barron, sino que incluye algunos ingredientes que lo hacen atractivo, que ponen algo de variedad en lo que es el sonido tradicional del jazz. Junto a Kenny Barron en el piano, el trío de base queda conformado por Kiyoshi Kitagawa en bajo y Francisco Mela en batería, acompañado en distintos temas por Steve Wilson en el soprano, Lionel Loueké en guitarra acústica, Grady Tate, Gretchen Parlato y Ann Hampton Callaway en voces. Como podrá apreciar por los nombres y funciones, Barron pone un poco de todo, hay 3 temas con voces en excelentes baladas, la adición del sonido de la guitarra acústica de Loueké en otros 3 temas y, por supuesto en otros 3 temas hace su aporte Wilson con el soprano. En cierto modo haciendo eco de la definición de Roy Hargrove acerca del modo tradicional de tocar jazz, estamos frente a un disco que sigue esa línea; íntimo, suave, agradable, sin estridencias y hasta en la parte que podríamos definir como mas compleja (un dúo de guitarra y piano de neto corte vanguardista) el disco no pierde la calma, la sensación de intimidad. Barron es un gran pianista y domina a la perfección todas las claves del jazz; con un sonido moderno enfrenta varias corrientes tradicionales del jazz y bajo su atenta mirada el dúo Kitagawa - Mela cumple bien su función de dar sostén a las propuestas variadas que propone Barron, destacándose en las baladas. La tarea de Wilson, un buen saxofonista surgido de las filas de Chick Corea, es más que correcta, maneja muy bien la música que le propone Barron y no busca sobreactuar su presencia, acorde a todo el tono del disco. Los aportes de Loueké son muy agradables, pone un sonido que no es común en el jazz y cierra bien, nuevamente, en el conjunto del disco. Si ameritan un comentario particular los aportes vocales, que, sin duda, realzan y le dan un brillo particular al disco. Son realmente exquisitos; la primera voz que se escucha es la de Ann Callaway en una balada excelente y muy sensual, “Clouds”; sigue el notable baterista Grady Tate que le pone una voz sorprendente a “Un beijo” y Gretchen Parlato en un tema que tiene un dejo a bossa nova maravilloso junto a la dulzura de la guitarra de Loueké, “Phantoms”. Cierra el disco una entretenida visión de Barron sobre el standard “Memories of you”. En síntesis, un muy buen disco de jazz, con alguna salvedad: Si se espera un disco de un jazz electrizante, nada mas lejos que este disco. Si tiene ganas un rato bien largo (74 minutos aprox.) de un jazz suave, muy agradable y para compartir en buena compañía (la elección de la compañía es a gusto del lector) sin dudas le recomiendo este disco; como dice un querido amigo mío, es música que entra por los oídos, no por otros orificios del cuerpo humano.

Alberto “Tano” Rosso
“NoTanDistintos”
FM Urbana
www.notand.blogspot.com

Adrian Iaies "Vals de la 81st & Columbus" 2008

01. Vals de la 81st & Columbus
02. Astor Changes
03. Round Midnight (Thelonius Monk)
04. Algún Día Nunca Llega
05. Juárez El Casamentero
06. Sigilosamente for Duke
07. Valsecito Para Una Rubia Tremenda
08. What Are You Doing The Rest Of Your Life (Michel Legrand)
09. Nefertiti (Wayne Shorter)
10. Mariposita (Arrieta / García Jiménez)

.

Adrián Iaies: piano

Michael Zisman: bandoneón
Juan Cruz De Urquiza: trompeta

Pablo Aslán: contrabajo

Pepi Taveira: batería

“Vals de la 81st & Columbus”, es el nuevo álbum del pianista y compositor argentino Adrián Iaies. La trayectoria artística de Iaies es motivo de orgullo para la cultura argentina y no extraña que ese sentimiento adquiera una dimensión mayor a medida que nos alejamos del hábitat creativo en el que se desarrolla. Y digo esto, si usted me permite la autorreferencia, desde la perspectiva del exilio. Es más, me animaría a asegurar que en la distancia encontré que la música de Iaies, aún siendo pasible de una valoración estética de carácter universal, contenía elementos familiares y reconocibles en los que podía ver reflejada mi propia identidad.”Vals de la 81st & Columbus” no es un álbum más en la discografía de Iaies, ya que se grabó en Buenos Aires pero fue editado y distribuido por uno de los sellos independientes más importantes de los Estados Unidos: Sunnyside. En ese inédito marco contextual comencé a escuchar una voz interior que me decía, casi como si fuese una revelación divina: “¡Hacé el comentario del disco, infeliz!”
Sin embargo, me tomé mi tiempo para aceptar ese íntimo mandato. No soy de apresurarme. En un esfuerzo supremo por no demorarme tanto acepté la delegación divina de comentar este álbum con la firme convicción que para un intelectual la tarea resultaría sencilla. El intelectual medita, se inspira, busca, investiga, organiza las ideas, imagina, proyecta, interconecta fenómenos, etc.; mientras que el resto de los mortales se hunden en el más profundo de los silencios. Al fin y al cabo aquí me tiene… hundido en el más profundo de los silencios.
Ante el objeto físico (léase disco) y en un rápido repaso de los temas incluidos en él, notamos que casi la totalidad de esas composiciones ya habían formado parte de discos anteriores del pianista. Esto abría un interrogante dirigido a delimitar hasta dónde “Vals de la 81st & Colombus” era un simple repaso de la discografía previa o una lectura actualizada de las versiones originales y hasta dónde una voluntaria descontextualización producto de una necesidad creativa o un re-lanzamiento en el mercado de jazz estadounidense de la música de Iaies. ¿Y por qué no ambas cosas?
La apertura es con “Vals de la 81st & Columbus” (Kuny’s Waltz) tema que ya fuera incluido en el álbum “Las tardecitas de Minton’s” de 1999. Un delicado preludio en piano, susurrado y melancólico, propicia el ingreso del resto de la banda, es decir: Aslán, Taveira y Zisman, aquí extendida con la participación como invitado del trompetista Juan Cruz De Urquiza. El bandoneón de Michael Zisman (en la versión original ejecutado por Gabriel Rivano) rivaliza en el entramado armónico con la trompeta, hasta que la estructura se desvanece en un bellísimo solo de piano hábilmente secundado por el tándem rítmico que constituyen el contrabajo y la batería. Luego sigue un clásico del repertorio de Iaies: “Astor Changes”. Con versiones previas en “Round Midnight y Otros Tangos” de 2002, Astor Changes de 2005 y más recientemente en “UnoDosTres” (en trió con Mariano Otero y Ricardo Cavalli). Esta nueva lectura oscila entre lo exuberante y lo refinado y refleja influencias de la música clásica y la improvisación jazzística, incorporando una dinámica que acepta lejano parentesco con el estilo asociado a Dave Brubeck. Todo adornado por figuras de contraste entre la encendida arenga del bandoneón de Zisman y el tono confidente y ascético que caracteriza a Iaies.
A veces, sin necesidad de palabras, el cerebro consigue descifrar todas las secuencias de sonidos, silencios y ritmos, como si conociese naturalmente esa secreta organización. Sin importar el formato, tiempo y lugar en que se manifieste, eso es lo que me ocurre con la versión imaginada por Iaies del clásico de Thelonious Monk, “Round Midnight”. Tema que ya incluyera en sus álbumes “Las Tardecitas de Minton’s” y “Round Midnight y Otros Tangos”. No sé si esta versión es la mejor, pero sigo pensando cada vez que la escucho que en algún tiempo y lugar Thelonius Monk y Astor Piazzolla se juntaron a tocar. La melancólica revisión de Algún día nunca llega registra antecedentes discográficos en los álbumes “Astor Changes” y en “UnDosTres” en este último en dos versiones diferentes (una en solo piano y otra en trío con Juan Cruz de Urquiza y Mariano Otero). Mientras que “Juárez, el Casamentero” es la excusa perfecta para confesar la estrecha relación musical que une a Iaies con el pianista Manolo Juarez. Tras la reposada “Sigilosamente For Duke” llega una notable lectura de “Valsecito para una rubia tremenda” con un exquisito diálogo entre Iaies y Zisman, realzado por el inmejorable respaldo que ofrecen el contrabajo de Pablo Aslán y la batería de Pepi Taveira. A continuación, hacen una irreprochable versión de “What are you doing the rest of your life”, composición de Michel Legrand que formara parte del soundtrack de la película “The Happy Ending” y que Iaies incluyera en sus álbumes “Round Midnight y Otros Tangos” y “Astor Changes”. Seguido por una adaptación del clásico de Wayne Shorter “Nefertiti” que no agrega demasiado a las ofrecidas en discos anteriores. El cierre es un dúo de piano y bandoneón con el tema de Roberto Arrieta y Francisco García Jiménez: “Mariposita”.
Conformar una identidad es establecer un centro gravitatorio sobre el que giran nuestras acciones. Eso implica que, más allá de los cambios o nuevos saberes incorporados en la vida, siempre hay un Yo relativamente unificado. Tal vez “Vals de la 81st & Columbus” no señale el norte del camino que Iaies recorrerá en el futuro; pero aún así, esta revisión de su propia obra no hace más que reafirmar su identidad artística. Una identidad que pese a las distancias geográficas puede estar muy cerca del corazón. Una identidad que cuanto más se aleja, más se acerca.

Sergio Picirilli
de www.elintruso.com

Willie Nelson & Wynton Marsalis "Two Men With the Blues" 2007/2008

01. Bright Lights, Big City (Jimmy Reed)
02. Night Life (Willie Nelson)
03. Caldonia (Fleecie Moore)
04. Stardust (Hoagy Carmichael)
05. Basin Street Blues (Spencer Williams)
06. Georgia on my Mind (Hoagy Carmichael)
07. Rainy Day Blues (Willie Nelson)
08. My Bucket’s Got a Hole in it (Hank Williams)
09. Ain’t Nobody Business (Granger Porter)
10. That’s All (Merle Travis)

Willie Nelson: voz, guitarra acústica

Wynton Marsalis: trompeta, voz

Walter Blanding: saxo

Dan Nimmer: piano

Carlos Henriquez: contrabajo

Ali Jackson Jr: batería
Mickey Raphael: armónica

Para quienes consideran a la música country como un género menor, o inclusive para aquellos a quienes simplemente no les gusta ese estilo musical, Willie Nelson no es más que un personaje curioso de la música autóctona estadounidense al que probablemente, no se han detenido a escuchar profundamente. Este disco, grabado en vivo en el Lincoln Center el 12 y 13 de Enero del 2007 y editado en el 2008 en sociedad con el super prestigioso trompetista de jazz Wynton Marsalis, es la oportunidad ideal para descubrir, en primer lugar, a un gran cantante, y en segundo a un más que aceptable guitarrista. Y encima, el blues es la excusa perfecta para reunir a estos dos notables artistas en canciones que van desde "Stardust" y Georgia on my Mind", ambas de Hoagy Carmichael hasta el "Basin Stret Blues" que inmortalizara Louis Armstrong o la hermosa "Caldonia", todas interpretadas magistralmente por el grupo de Marsalis formado por el saxopfonista Walter Blanding, el pianista Dan Nimmer, el bajista Carlos Henriquez y el baterista Ali Jackson Jr, con el aporte como invitado del armoniquista Mickey Raphael, y son cantadas de manera inmejorable por Nelson que además aporta dos interesantes composiciones propias. "Two Men With the Blues" es un disco que, superada la sorpresa inicial, no deja de encantar; especial para los amantes del blues, de Willie Nelson, de Wynton Marsalis y de la música toda.

Guillermo Blanco Alvarado
"NoTanDistintos"
FM Urbana
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Roy Hargrove "Earfood" 2008

01. I’m Not Sure (Cedar Walton)
02. Brown
03. Strasbourg St Dennis
04. Starmerker (Lou Marini)
05. Joy is Sorrow Unmasked
06. The Stinger
07. Rougr
08. Mr Clean
09. Style
10. Divine
11. To Wisdom the Prize (Larry Willis)
12. Speak Low (Kurt Weill)
13. Bring it on Home to Me (Sam Cooke)

Roy Hargrove: trompeta
Justin Robinson: saxo
Gerald Clayton: piano
Danton Boller: bajo
Montez Coleman: batería

Nueva propuesta musical, de reciente lanzamiento, de uno de mis favoritos, trompetista del cuadro de honor y ya no mas promesa sino vigente realidad. Roy Hargrove nos mal acostumbra con un disco por año (o 2) que graba en el entretiempo de sus presentaciones infinitas (hay quien dice que en realidad no es Hargrove sino Droopi). “Me gusta tocar música que es considerada jazz clásico, especialmente ahora cuando es difícil encontrar músicos que acuerden con la tradición del jazz. Mucha gente esta tocando el “nuevo y mejorado” jazz, que aliena a buena parte de la audiencia. No tengo temor de tocar blues y soul, y me gusta tratar de ser innovador. Pero prefiero el sonido standard. Si nos alejamos demasiado de eso, cual es el punto?” Esta declaración de Hargrove define por completo el tono del disco: un jazz clásico que pasa por varios estilos del género con una particular predilección por las baladas, de hecho, todos los temas originales de Hargrove de este disco son baladas. Con un quinteto que hace honor a las formaciones mas clásicas, formado por Hargrove en trompeta y flughelhorn, Justin Robinson en saxo alto y flauta, Gerald Clayton en piano, Danton Boller en bajo y Montez Coleman en batería, ofrece una sabrosa e interesante muestra de jazz donde la clave pasa por la interpretación mas que por el sonido, decididamente tradicional y amable para toda audiencia. Notable trabajo de Hargrove, con un control tonal en todo el rango del instrumento, de un modo superior, que recuerda a los grandes (Lee Morgan, Freddie Hubbard, Dizzie Gillsespie). Sus dialogos con un muy interesante Robinson en el alto tienen flashes que recuerdan a otro duo histórico alto – trompeta, Miles Davis y Charlie Parker, con gran nivel de calidad en la propuesta melódica y armónica. La base rítmica Clayton, Boller, Coleman aporta su experiencia de estar hace tiempo junto a Hargrove, dandole al duo un muy buen sostén, en particular la labor de Clayton con solos de un excelente nivel. Todo el conjunto suena bien, compacto, orgánico y con un aditivo que lo distingue de otras formaciones que hacen algo parecido en lo sonoro (en referencia a lo tradicional). Ese aditivo es la frescura. Tanto el duo de solistas como la base suena confortablemente bien y no tiene ese “olor a encajonado”; por mas que esten tocando con el estilo del libro, la música suena actual, tiene una frescura que, a mi en particular, se me hace muy atractiva. Otro muy buen disco que va aumentando una carrera muy fructifera en el jazz; ya ha dejado de ser uno de los “young lyons” para ser uno de los referentes de la trompeta del jazz; afortunadamente, el nombre de Hargrove se esta asociando a una gran calidad musical y con 39 años se proyecta como uno de los grandes que esta escribiendo parte de la historia del jazz moderno. Muy recomendable, gran disco.

Alberto “Tano” Rosso

"NoTanDistintos"
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Bobo Stenson Trio "Cantando" 2008

01. Olivia (Silvio Rodriguez)
02. Song of Ruth
03. Wooden Church
04. M
05. Chiquilin de Bachin (Astor Piazzolla)
06. Pages
07. Dona's Cora Song
08. A Fixed Goal (Ornette Coleman)
09. Love I've Found You
10. Liebesode

Bobo Stenson: piano
Anders Jormin: contrabajo
Jon Falt: batería

Ultimo disco de Bobo Stenson en ECM, sello al cual está ligado desde los comienzos en aquel ya lejano “Underwear” de 1971. En este de hoy desgrana un repertorio heterogéneo pero cohesivo que nos entrega emoción y talento por igual. Un Stenson siempre atento a los cambios y que no pasa de moda, con matices y dinámica así como reflexión y calma. Multifacético y audaz en todas sus épocas, nos desafía hoy a disfrutar este nuevo viaje.
Uno de los mayores logros de Stenson desde el imprescindible álbum doble “serenity” del 2000Precisión y delicadeza parecen ser los secretos de este álbum, aire rodeando a cada nota de Stenson y la lúcida y justa intervención de Anders Jormin, viejo socio de Stenson y del recién llegado Jon Falt hacen de este álbum no solo una válida experiencia intelectual, sino también un delicado viaje a los sentidos. El repertorio es variado y pasa de temas del propio Stenson a covers que van desde Silvio Rodriguez en “Olivia”, hasta Ornette Coleman en “Fixed goal” pasando por una versión melancólica de “Chiquilín de Bachín” de nuestro Astor Piazzolla. Nada asusta a este trío pensante y profundo a la hora de abordar los temas más variados y lo hacen, a mi juicio, con la soltura y convicción que dan los años y experiencias, haciendo que los temas “respiren”. Bo Gustav Stenson (1944 Vasteras, Suecia) ya llamó la atención en la década del 60 cuando paso de su ciudad natal a Estocolmo donde acompañó frecuentemente a grandes maestros americanos del jazz como Sonny Rollins, Stan Getz y Gary Burton entre otros. Paralelamente su carrera discurría entre el grupo Rena Rama con Phillip Aaberg y Palle Danielson, a la vez que se lo encontraba en las principales grabaciones de ECM acompañando a números fuertes del sello como Charles Lloyd, Jan Garbarek o Tomasz Stanko. Su discografía como líder es muy vasta y excede este comentario. Por su parte Anders Jormin (1957 Jönköping, Suecia) es un músico con pergaminos en contrabajo e improvisación así como en pedagogía y música étnica, ha tocado prácticamente con todos, por nombrar algunos Gilberto Gil, Jack de Johnette, John Surman y Dino Saluzzi. Jon Fält (1979 Gävle, Suecia) por su parte es un baterista muy joven,que muestra solidez y estilo, a la vez que se logra ubicar en el contexto del trio sin interferir pero agregando sus ideas con acierto. Falt es más un percusionista que un colorista, como sus predecesores en los dos discos anteriores, quizás dado por su habitualidad como músico en vivo de las giras de Stenson en los últimos años, logra redondear un estilo más cercano a las ideas puntuales quizás un poco más “picantes”, que los colores pastel de John Christensen o Paul Motian. Un muy buen disco en el que se notan varias de las fuentes de Stenson, variando desde el clasicismo hasta el trio de jazz introspectivo, asi como algo de jam sesión en el tema que no escucharemos, pero que dura 13 minutos llamado “pages” casi entreament improvisado. Cantando quizás cierre un ciclo en el trio de Stenson y nos de paso a algo diferente que nos sorprenda en el futuro, solo resta esperar.

Roberto Lucio Sampere

"NoTanDistintos"

FM Urbana
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Nicholas Payton "Into the Blue" 2008

01. Drucilla
02. Let it Ride
03. Triptych
04. Chinatown
05. The Crimson Touch
06. The Backward Step
07. Nida
08. Into the Blue
09. Fleur de Lis
10. The Charleston Hop

Nicholas Payton: voz, trompeta, sintetizadores
Kevin Hays: piano, teclados
Vincente Archer: contrabajo
Marcus Gilmore: batería
Daniel Sadownick: percusión

Nueva producción de Nicholas Payton el trompetista originario de Nueva Orleans; una de las promesas del jazz que se va afirmando luego de algunas producciones interesantes y que, en este caso, sorprende con una propuesta que a muchos dejó con mas interrogantes que afirmaciones. Kevin Hays en teclados, Vincent Archer en contrabajo, Daniel Sadownick en percusión y el nieto de Roy Haynes en batería, Marcus Gilmore, son de la partida en un disco que viene acompañado de una crítica no muy favorable en el mundillo del jazz. Y a la escucha se entiende por que: no es el estilo de jazz que probablemente muchos esperaban después de trabajos como “Trumpet Legacy”, un homenaje a los maestros de la trompeta, hard bop de libro, o “Misterious Shorter”, un homenaje a Wayne Shorter en clave de casi free jazz; este nuevo disco es un experimento clasificable como jazz ambient funk, mas cercano a las experiencias sonoras de Enrico Rava (europeo) que al sonido al cual está mas habituado el jazzero yankee y que ha catalogado al cosas inescuchables como excelentes. Fieles a nuestro estilo, vamos a reconsiderar la opinión de los críticos “expertos”. La primera consideración es, como dije antes, estilística: Payton transita por el jazz ambient con un sonido amplio, con mucha sensación de espacialidad; un generador de climas muy interesante que da la impresión de haber sido producido por Brian Eno; y en momentos gira hacia el jazz funk que evoca a las mejores experiencias de principios de los 70, incluso mejorándolas. Y al escuchar el disco, claramente queda reflejado que la propuesta es arriesgada; no es novedosa (experiencias nacionales y norteamericanas así lo demuestran) pero asume el riesgo de intentar un cambio; una vuelta de tuerca a su estilo musical en búsqueda de una evolución que es natural. La segunda consideración apunta hacia el ensamble de la banda. Nuevamente, no trae nada nuevo ni en lo instrumental ni en lo sonoro; quienes estamos en el jazz desde hace un tiempo tenemos la percepción de “esto ya lo escuché”; sin embargo, la banda suena bien, hacen bien su trabajo y no se los nota que estén incómodos con la propuesta. Payton muy bien, cubre con solvencia el registro y se nota que le sobra paño, los temas que compuso (salvo 1 el resto son propios) dan muestra de un notable compositor y todos los temas suenan con gran calidad, serenos, tranquilos, sin explosiones de pretendido virtuosismo y manejando tonos medios, sin estridencias y sin que esto signifique aburrimiento; tal vez, cierta oscuridad. Hays da un magnifico fondo con el piano y con el fender, trabajando muy de cerca con Archer y Gilmore, dando un gran sustento rítmico. La tarea de Sadownick en percusión redondea el sonido con un estilo elegante. La última consideración es netamente de gustos, le puede gustar o no; de ahí a calificar como mediocre el disco... me parece un poco exagerado. A mi me perece un excelente disco, todos lo temas me gustaron y es una gran compañía, ideal para todo servicio: escucharlo solo o acompañado, un lounge, una cena íntima o con amigos; en fin, muy buen disco que marca un paso en la evolución de un gran músico; una promesa que se está cumpliendo en el mundo del jazz, les guste o no a los críticos.

Alberto “Tano” Rosso

"NoTanDistintos"
FM Urbana
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Esperanza Spalding "Esperanza" 2008

01. “Ponta de areia” (Milton Nascimento)
02. “I Know You Know”
03. “Fall In”
04. “I Adore You”
05. “Body And Soul” (Edward Heyman)
06. “She Got To You”
07. “Precious”
08. “Mela”
09. “Love In Time”
10. “Espera”
11. “If That’s True”
12. “Samba em preludio” (Vinicius de Moraes)

.

Esperanza Spalding: voz, contrabajo, bajo acústico
Donald Harrison: saxo alto
Ambrose Akinmusire: trompeta
Leo Genovese: piano
Niño Josele: guitarra española
Ottis Brown: batería
Horacio Hernández: batería
Jamey Haddad: percusión
Gretchen Parlato: coros

Theresa Pérez: coros

Haciendo honor a su nombre de pila y al título de este su segundo disco (primero para Heads Up International), Esperanza Spalding aporta un soplo de aire fresco a la actualidad jazzística con su música de agradable escucha pero en absoluto trivial. Contrabajista de extraordinaria técnica, en “Esperanza” muestra evidentes progresos en su faceta de cantante, presente en la mayoría de cortes del CD. En algunos casos interpreta sonidos sin palabras, a veces al unísono con otros instrumentos melódicos (como en “Mela”, dedicada al batería cubano Francisco Mela). En otras ocasiones canta letras en inglés, portugués, e incluso se atreve con una traducción al castellano de “Body And Soul”.La voz de la Spalding suena dulce, aterciopelada, y a la vez segura y llena de intención. En la elección del repertorio muestra una clara predilección por la música brasileña, abriendo el disco con el “Ponta de areia” de Milton Nascimento y cerrándolo con la “Samba em preludio” a dúo con el Niño Josele. Leo Genovese y Ottis Brown asumen su papel de fieles escuderos de la líder, con Jamey Haddad aportando detalles percusivos. Como compositora, Esperanza despliega melodías pegadizas sobre secuencias de acordes cálidas, en muchos casos con un riff de contrabajo de fondo. “I Know You Know”, “Fall In”, “Precious” o, especialmente, “I Adore You”, son temas que a buen seguro despertarán el interés del público en directo. Esperanza Spalding es mucho más que una cara bonita. En su nuevo CD demuestra concepto, lirismo y sobradas habilidades técnicas, en un compendio de estilos que incluye al soul y a la bossa nova con el jazz como firme vigilante. Esperemos que no le quite ojo.

Arturo Mora Rioja
de www.tomajazz.com

Yellowjackets "Lifecircle" 2008

01. Falken’s Maze
02. Country Living
03. Double Nickel
04. Dreams Go
05. Measure of a Man
06. Yahoo
07. I Wonder
08. Three Circles
09. Claire’s Closet
10. Lázaro

Russell Ferrante: teclados
Bob Mintzer: saxo
Jimmy Haslip: bajo
Marcus Baylor: batería

con

Mike Stern: guitarra

producido por Yellowjackets & David Love
grabado por Rich Breen

.

Yellowjackets es ya una vieja y conocida banda post fusión que tuvo una buena producción en sus 27 años de vida. Si bien en algún momento coquetearon un poco con el smooth jazz, sus raices de jazz y r&b estuvieron siempre presentes, y en este trabajo junto al enorme guitarrista Mike Stern la banda deja en claro que lo suyo es el jazz. Moderno, de fusión, pero jazz... y del bueno...
Una banda que a lo largo de los años mantuvo casi sin alteración sus nombres, forma con Marcus Baylor en batería, Russell Ferrante en teclados, Jimmy Haslip en bajo y programaciones, Bob Mintzer en saxo y clarinete con Stern en guitarra como invitado, para entregar un excelente disco de jazz funk. Haciendo gala de un gran sentido estético el grupo se mete de lleno en una experiencia electroacústica de primer nivel, con una fantástica selección de temas que le dan al disco una notable performance sonora. Desde el primer tema el disco invita a ser escuchado, a ser investigado tanto por el degustador de jazz tradicional como por los fanáticos del jazz fusión, quedando, a mi criterio, altamente satisfechos ambos públicos. Con una cohesión sorprendente (y debo decir sorprendente dado que Yellowjackets son un grupo establecido hace largo tiempo y no necesita una gran figura para potenciar su música y Mike Stern tiene un peso propio en la escena del jazz fusión) todo en este disco suena bien: la gran virtud de todo el disco es que suena parejo; nadie de la partida quiere quedarse con la gloria de ser “el” solista en un trabajo donde a todas luces se ve la gran consigna: buena música y colaboración. Los históricos de la banda muestran un magnífico estado. Ferrante en el piano y teclados se luce dando una gran base armónica y melódica, su interacción con Haslip en el bajo y con Baylor en la batería es digna de las grandes secciones rítmicas del jazz y aporta muy buenos solos con el piano, que dan realce a todo el conjunto. Esto permite que el experimentado Bob Mintzer haga interesantes exploraciones con la sección de viento a su cargo, contestando muy bien a las propuestas melódicas de la base y del quinto elemento, un Mike Stern que se muestra colaborador, inspirado y creativo a la hora de dar los toques sonoros tan particulares que saca de su guitarra. Intenso cuando debe serlo, suave en el momento justo, llamativo en toda su extensión, este es un excelente disco, dan ganas de escucharlo y, aun en los contrapuntos melódicamente mas arriesgados, es un disco muy amable que, tema tras tema, va afirmando su valía, de lo mejor que ha sido publicado este año.

Alberto "Tano" Rosso

"NoTanDistintos"

Sábado 19.00

FM Urbaba 107,3 de San Miguel

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Buddy Guy "Skin Deep" 2008

01. Best Damn Fool
02. Too Many Tears
03. Lyin’ Like a Dog
04. Show me the Money
05. Everytime I Sing the Blues
06. Out in the Woods
07. Hammer and a Nail
08. That’s my Home
09. Skin Deep
10. Who’s Gonna Fill These Shoes
11. Smell the Funk
12. I Found Happiness

Buddy Guy: voz, guitarra
David Grissom: guitarra
Reese Wynans: piano
Willie Weeks: bajo eléctrico
Tom Hambridge: batería
Richard Hayward: percusión
Lannie McMillan: saxo
Kirk Smothers: saxo
Mark Franklin: trampeta
Willie Mitchell: trombon
Nathan Williams: acordeon

Bekka Bramlett: coros

Bonnie Bramlett: coros
invitados

Eric Clapton: voz & guitarra en track 05
Susan Tedeschi: voz en track 02
Derek Trucks: guitarra en track 09
Robert Randolph: guitarra en track 06
Quinn Sullivan: guitarra en track 10

Vamos a hablar del nuevo disco de mi bluesman preferido, uno de los más grandes guitarristas y fundamentalmente cantantes del blues de Chicago, el gran Buddy Guy a los 72 años, después de lucirse en el recital/cd/ScorseseFilm de los Rolling Stones saca este disco “Skin Deep” donde interpreta una docena de temas originales con el aporte de un par de invitados de primer nivel, y algunas sorpresas.
Un disco pleno de blues, con algo de rock and roll, algo de rhythm & blues, y una que otra balada, producido por Tom Hambridge que además toca la batería en todos los temas, junto al resto de su banda actual, David Grissom en guitarra rítmica, el notable Reese Wynans en piano y Willie Weeks en bajo, y como les decía antes algunos invitados interesantes; Eric Clapton en un tema, y a Susan Tedeschi, la nueva esperanza del blues femenino, en otro, pero además Derek Trucks, Robert Randolph, Bekka Bramlett y el niño prodigio de la guitarra Quinn Sullivan, de solo nueve años de edad, a quien seguramente más de uno, ya habrá descubierto en YouTube. Lo cierto es que todos estos aditivos, que en el caso de algunos artistas, se convierten en el atractivo principal, en este caso quedan absolutamente en un segundo plano, detrás del brillo de este gran músico, que para algún crítico especializado, ha hecho en el momento en el que muchos se están jubilando, el mejor disco de su carrera. Yo no me animaría a asegurarlo de manera tan contundente, pero no tengo ninguna duda que es un gran disco, probablemente el mejor disco de blues que se haya editado en este año 2008, pero no me haga caso, Buddy Guy es una de mis debilidades, tratemos de explicarlo. Un tipo que creció como músico al lado de gente como Albert Collins, Muddy Waters, John Lee Hooker y los tres Kings, y que con B.B. King es la mayor leyenda viva del género, pero que, a diferencia de lo que sucede con éste último, que en los años recientes se ha dedicado a tocar casi con cualquiera, muestra que después de los 70 su talento está intacto, su guitarra sigue sonando de manera impecable y su voz directamente impacta como lo viéramos en “Shine a Light” la película de Martin Scorsese sobre los Rolling Stones, en donde, como uno de los invitados de ese concierto, cuando empieza a cantar, casi que humilla al propio Mick Jagger. Mayoría de blues como decíamos antes, blues clásico de Chicago, temas nuevos escritos por él mismo y su baterista y productor, tocado magistralmente, con una banda de apoyo de primera línea y que con gran atractivo en los contrapuntos que se dan entre Buddy Guy que utiliza seis guitarras diferentes, tres Stratocaster, una 335, una Telecaster, un sitar y el resto de los guitarristas nombrados (Clapton, Trucks, Randolph, Grissom y el niño Sullivan).
No creo que sea necesario repetirlo, si a usted le gusta el blues, no puede dejar de tener este disco, si es curioso, métale también, es una excelente forma de acercarse al blues clásico de Chicago, tradicional en su forma y moderno en su ejecución. Muy recomendable

Guillermo Blanco Alvarado

"NoTanDistintos"

Sábados 19.00

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Bud Powell "Bud, the Amazing" Vol 3

01. Some Soul
02. Blue Pearl
03. Frantic Fancies
04. Bud on Bach
05. Keepin’ in the Groove
06. Idaho
07. Don’t Blame me
08. Moose the Mooche

Bud Powell: piano
Curtis Fuller: trombon
Paul Chambers: contrabajo
Art Taylor: batería

De lo mucho y muy interesante que se ha reeditado este año, este disco es de lo mejor (tal vez el mejor). Ya algún tema hemos puesto en programas anteriores y, merece ser presentado en plenitud. Rápidamente pasamos a la música y después lo comentamos a fondo.
Este disco viene acompañado de una pequeña historia, no muy feliz, pero que nos da un sentido de ubicación en tiempo y circunstancia en la que fue producido. La salud mental de Bud Powell estaba seriamente afectada en ese momento. Luego de 2 años de internación en una clínica psiquiatrica (1951 a 1953) y varios ingresos breves hasta fines de los 50, la opinión generalizada era que la capacidad de Bud estaba muy disminuida; que ya no podía tocar ni componer con la brillantez de fines de los 40. A pesar de esto, en Blue Note decidieron darle una oportunidad: entre 1957 y 1958 grabó una trilogía (de la cual este es el primer disco) que muestran a un Powell que disimula muy bien su condición de enfermo mental incurable. Junto a Paul Chambers en bajo, Art Taylor en batería y Curtis Fuller en trombón Powell da una muestra de solidez, inspiración y genialidad pocas veces vista. Con casi todos temas compuestos por el mismo Bud, es una entrega de jazz esencial para la discoteca; blues, bebop, un ensayo sobre Bach, y hard bop primigenio completan un disco excelente. Si bien su estado de salud era precario, aquí tenemos al mejor Powell: lo menos que puedo decir sobre su modo de tocar es que aquí está perfecto; es un Bud Powell que recuerda su época de esplendor y, a mi gusto, está incluso mejor, dejando de lado las maratones de notas y entrando en comunicación estrecha con sus colegas de trío. Obviamente, como no comunicarse con Mister P.C.; extraordinario como siempre Chambers esta en total sintonía con las propuestas melódicas de Powell, dando con sus líneas de bajo un contrapunto armónico inigualable; el complemento justo para el brillo de todo el trabajo. Súper consistente es la tarea de Art Taylor, uno de los gigantes de la batería del jazz que aquí, con delicadeza y energía demuestra que la elección de Powell al elegirlo como baterista en esta sesión ha sido más que acertada. Curtis Fuller es un agregado exquisito que con la voz diferente del trombón da un toque de gran calidad a los temas en los que esta presente. La vociferación de las líneas del piano que hace Powell, tema tras tema, son el detalle que cierra un disco memorable; un jazz de una calidad que dan a Powell la dimensión de genio del piano y maestro del género. No tenga duda; si quiere completar su discoteca de jazz con un imperdible, ésta tiene que ser su elección. Y, afortunadamente, a mi se me complica el asunto, va a ser muy difícil elegir la reedición del año... este es un candidato desde el momento que fue anunciado... y se viene el especial de Powell...

Alberto “Tano” Rosso
"NoTanDistintos"
Sabados 19.00
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Lizz Wright "The Orchard" 2008

01. Coming Home

02. My Heart

03. I Idolize You

04. Hey Man

05. Another Angel

06. When I Fall

07. Leave Me Standing Alone

08. Speak Your Heart

09. This Is

10. Song For Mia

11. Thank You

12. Strange

13. It Makes No Difference

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Lizz Wright: voz

Larry Campbell: guitarra eléctrica, steel, mandolina

Oren Bloedow: guitarra eléctrica

Chris Bruce: guitarra acustica
Toshi Reagon: guitarra acústica

Joey Burns: bajo, guitarra barítono, cello

Glenn Patscha: teclados

Kenny Banks: piano

Patrick Warren: organo

John Convertino: vibrafono

Jacob Valenzuela: trompeta
Martin Wenk: trompeta

Nos encontramos con una novedad acá en Buenos Aires, y es el arribo de la voz espiritual de Lizz Wright, quien nos trae su tercer trabajo: “The Orchard”. El primero en arribar a las bateas de B.A. Acá se despacha de manera ecléctica pero en un tono acorde con las circunstancias desde el blues, pasando por el jazz vocal, hasta el R&B.
Lizz siempre se caracterizó por sus interpretaciones de jazz vocal, habiendo hecho precedentemente algunos participaciones con otros músicos tanto del jazz como del blues, como Toots Thielmans, David Sanborn, o Joe Sample. Su papel más destacado fue sin duda en algunos homenajes en EEUU brindados a la memoria de la Billie Holliday donde interpretaría algunos de sus temas y terminaría de cautivar al público en general, pero principalmente al del jazz. A pesar de todo este reconocimiento y luego de dos proyectos solistas como en “Salt” o “Dreaming wide awake” aquí en “The Orchard”, se destaca por tener saltos más eclécticos al elegir los modos y los géneros de sus canciones. Me refiero a que se la ve saltar desde la balada del jazz, al blues en temas como “Coming home” o “I idolize you” donde el deseo se hace presente de dos maneras; una a través del ansiado regreso al lugar de origen, que puede ser su casa, su pueblo, su gente. Y otra, a través del amor y el deseo por ese amor como algo pasional. Además aparecen baladas en un tono al mejor estilo country como en “Hey Man”. Pero la morocha se divierte un poco y hace algunas cositas como algunos covers como el que le dedica a los Led Zeppelín, con “Thank You” de una manera muy melódica y con un color de balada romántica que la convierte en algo totalmente diferente a lo conocido por los músicos originales, un tema casi irreconocible, en esta versión. Si hay algo que destacar es que esta cantante es autora de muchos de los temas que aparecen aquí junto con la participación en la producción de Craig Street (KD Lang, Cassandra Wilson). Y esto se nota en su música principalmente porque se destaca por una voz tonalmente monocorde, con pocos decibeles y hasta monótona durante toda su obra. Si bien su voz es de terciopelo, por cierto, lamentablemente no cumplió con mis expectativas personales. A mi parecer ese tono descolorido la convierte en algo levemente sin sabor y casi aburrida. A mí me gustaría que la fuerza de la voz represente mejor lo que dice la canción. Me refiero a que la fuerza se haga presente allí donde la letra y la pasión lo requiera. No es el caso de Lizz Wright, que se acerca más al estilo de una Norah Jones o una Tracy Chapman. Le hace falta polenta, a la muchacha. No canta mal, obviamente, pero me duerme. Y si una cantante logra eso en mí, no la recomendaría. Pruebe con una Janis Joplin mejor o con una señora del R&B, Etta James. En fin, no me animaría a recomendarlo. Si quiere igual haga la prueba, tampoco es un mal disco, claro.

Lic. Valentino Bertone
“NoTanDistintos”
Sábados 19.00
FM Urbana 107,3 de San Miguel
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Pepi Taveira "Reunión" 2007

01. Reunión (Taveira)
02. Cornetos (Puntoriero, Carmona)
Bamboleante (Norris)
El Gaita (Taveira)
03. Descanso (Taveira)
04. Momo (Taveira)
05. Up & Down (Taveira)
06. Familia (Taveira)
07. Plegaria (Taveira, Norris)

Pepi Taveira: batería
Enrique Norris: piano, corneta, trompeta
Pablo Puntoriero: saxo
Jerónimo Carmona: bajo

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producido por Pepi Taveira

grabado por Alvaro Villagra

“Reunión” es el último disco de Pepi Taveira, en un cuarteto que completan Enrique Norris en corneta, piano, órgano Hammond y percusión, Pablo Puntoriero en saxos alto y tenor, flauta y percusión y Jerónimo Carmona en contrabajo. Además de batería, el set de Taveira incluye bolón, balafón, mbira y percusión. El álbum tiene, en efecto, más el aspecto de una reunión de músicos notables que de algo perfectamente elaborado y cerrado. Esto no quiere decir que el disco sea disperso. Al contrario, se advierte una profunda conexión, una antigua sintonía. El segundo tema -más precisamente, la primera parte de la segunda banda, que está formada por tres temas sin interrupción- parece un concierto de lobos marinos; como unas voces prehistóricas que se desperezan, cálidas y quejumbrosas (el contrabajo con arco se suma al coro en los extremos del registro). Hay una especie de calor animal, y algo de ese clima se proyecta sobre buena parte del disco. Hay también un elemento de prehistoria instrumental: el sonido de un viejo órgano Hammond, que en el primer tema del álbum (el que da nombre al disco) se oye como una forma residual y a la vez exasperada. Hay algo intenso y extremo en este disco, y Taveira lo asume gráficamente desde el título de una de las piezas, "Descanso", un auténtico remanso. Su sentimiento lírico es acentuado por el arcádico sonido de la flauta, más un piano que se columpia sobre las armonías y desgrana dulcemente su fraseo a la manera de Satie, mientras la percusión aporta el único momento convencionalmente climático del disco, con palo de agua y otros accesorios igualmente inconvenientes.
El disco recorre diez temas distribuidos en siete bandas. La unión de algunos temas (tres por un lado y dos por el otro) revela el gusto de Taveira por formas transicionales que evitan fijar con claridad cuando termina una cosa y empieza la otra. Hay por momentos un efecto de sobreimpresión que se traduce en una música en varios planos, como en la hermosísima "Plegaria", de Taveira y Norris, escrita sobre una breve frase en forma de pregunta y respuesta. El borramiento de fronteras alcanza no sólo los finales y comienzos de algunas de estas piezas, sino también la identidad misma de la música: nadie diría que no es un jazz verdadero, y nadie podría asegurar que es un jazz de género.

Federico Monjeau
del diario Clarin
www.clarin.com/diario/2008/07/30/espectaculos/c-01001.htm

Brad Mehldau "Live at Vanguard Village" 2006

disc 1
01. Wonderwall (Oasis)

02. Ruby’s Rub

03. Oh Que Será (Chico Buarque)

04. B Flat Waltz

05. Black Hole Sun (Soundgarden)

06. The Very Thought of You (Ray Noble)

disc 2

01. Buddha Realm

02. Fit Cat

03 Secret Beach

04. CTA (Jimmy Heath)

05. More Than You Know (Billy Rose)

06. Countdown (John Coltrane)

Brad Mehldau: piano

Larry Grenadier: contrabajo

Jeff Ballard: batería

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producido por Brad Mehldau & Robert Hurwitz
grabado por Tim Martyn

Un regalo de cumpleaños que amerita ser comentado. Este disco doble refleja lo mejor de una serie de conciertos que el trío de Brad Mehldau ofreció en el Village Vanguard de New York en Octubre de 2006. Un gran doble al estilo Manu Ginóbili; si no me cree, escuchelo …
“Live at Village Vanguard” cuenta con la presencia de Larry Grenadier en bajo y Jeff Ballard en batería. Mehldau es uno de los más notorios pianistas de la actual escena del jazz americano, un tipo al que muchos ponen en el mismo nivel de calidad que Herbie Hancock o Keith Jarret más allá de las diferencias de estilos. En este disco, toca una serie de temas propios, más reinterpretaciones de grandes temas de jazz y esa cada vez más habitual costumbre, no siempre del todo feliz, de recrear temas pop con formato e instrumentos del jazz, en este caso con una versión de “Wonderwall” de Oasis (otra más y van...) muy bien tocada, pero que no convence y se convierte en el único punto dudoso de un excelente disco en directo. Mehldau se luce en cada uno de sus solos; gran técnico, desarrolla melodías separadas una con cada mano (solo genios de la talla de Oscar Peterson, Bud Powell, Keith Jarret y alguno más lo pudieron hacer) y también se muestra como un interesante compositor en temas como “Ruby’s Rub”, “Fat Kid” o “B Flat Waltz”. Grenadier y Ballard muestran su solvencia y categoría dando una perfecta base rítmica sobre la propuesta de Mehldau y sacan buen provecho de sus escasos solos. Dentro de los covers, lo mejor es “Black Hole Sun” de Soundgarden, aunque claro, la melodía original dura cuatro o cinco de los 23 minutos que toca el trío, algo parecido sucede con la versión de “Oh Que Será” de Chico Buarque y definitivamente nos maravilla con su recreación de “Countdown” de John Coltrane. Gran disco; arriesgado, sólido, impecable; no deja dudas respecto al porqué Mehldau es una de las estrellas del jazz contemporáneo; un tipo que, evidentemente sabe como hacer jazz de primer nivel y lo demuestra a lo largo de los aproximadamente 140 minutos que dura todo el set. Y, como decía el gran filósofo y pensador riojano, “siganlon que no los va a defraudar”

Alberto “Tano” Rosso y
Guillermo Blanco Alvarado
"NoTanDistintos"
Sábados 19.00
FM Urbana 107,3 de San Miguel
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Quniteto Urbano "En Subida" 2003

01. Travesía urbana

02. De otoño

03. No le temas

04. Verde en gris

05. Mombyry

06. En subida

07. Almeyra

08. Sin manija

Juan Cruz De Urquiza: trompeta

Diego Schissi: piano

Rodrigo Domínguez: saxo

Guillermo Delgado: contrabajo

Oscar Giunta: batería

No es cuestión de comparar pero estas cosas, no por repetidas, dejan a uno de llamarle la atención. Aunque ya había escuchado en varias ocasiones por encima este disco del Quinteto Urbano me disponía ha hacerlo con una mayor atención para su reseña, y lo hacía justo después de haber escuchado el día anterior para el mismo fin un disco de multinacional norteamericana cuyas características estilísticas e instrumentales podían asemejarse. Y una vez oídos los dos me pregunto: ¿qué demonios tendrá que envidiar el Quinteto Urbano a ese otro grupo? El nivel técnico de los instrumentistas es parejo pero la frescura y el ánimo que transmiten uno y otro son bien diferentes. El quinteto argentino formado por Diego Schissi en piano, Juan Cruz De Urquiza en trompeta, Rodrigo Domínguez en saxo, Guillermo Delgado en contrabajo y Oscar Giunta en batería es por supuesto el bien parado de esta historia y dista sin embargo de poder acceder a los circuitos de festivales y medios de comunicación diseñados como anillo al dedo para los de la multinacional con DNI yankee."Jazz Contemporáneo Argentino III" es el subtítulo de "En Subida". Tercero de serie pero primero en Europa del grupo. Y como entrada incita a mirar su pasado. El presente es un sólido quinteto que denota en su música un trabajo intenso que hace alcanzar a los cinco categoría de grupo. Inspirado según ellos en el quinteto de Miles Davis pero con material propio (los ocho temas) e ideas que denotan suficiente personalidad como para crear un sonido propio y definido. Sobre las bases del "hard-bop" actual pero con valentía en la estructuras de unos temas muy bien desarrollados y con una inteligente utilización de los timbres instrumentales.

Carlos Pérez Cruz
de www.elclubdeljazz.com

Joe Bonamassa "Live From Nowhere in Particular" 2008

disc 1
01. Bridge To Better Days

02. Walk In My Shadows

03. So Many Roads

04. India / Mountain Time

05. Another Kinda Love

06. Sloe Gin

07. One Of These Days

disc 2

01. Ball Peen Hammer

02. If Heartaches Were Nickels

03. Woke Up Dreaming

04. Django / Just Got Paid

05. High Water Everywhere

06. Asking Around For You

07. A New Day Yesterday / Starship

Joe Bonamassa: voz, guitarra
Rick Melick: piano, teclados
Carmine Rojas: bajo eléctrico
Boggie Bowles: batería, percusión

Nuevo disco doble en vivo de Joe Bonamassa editado en estados Unidos en Agosto del 2008 y que presenta un concierto con lugar para no solo su lucimiento sino para el ajustado trabajo de cada uno de los músicos. La mezcla estuvo a cargo de Kevin Shirley quien trabajara con Led Zeppelin y Aerosmith. Bonamassa es un joven guitarrista nacido en Utica, cerca de Nueva York en 1977 es un nuevo y apasionante exponente de esa siempre renovada camada de bluseros que aparecen de no se sabe donde pero revitalizan y energizan a este tradicional género, agregándole nuevos colores y timbres a lo que para muchos son solo “tres tonos”. Octavo álbum de este veterano de 31 años que hizo sus primeras armas con 12 siendo telonero en un concierto de B.B. King y que desde los 14 no ha parado de girar por bares, tabernas y desde hace unos años, conciertos y presentaciones a lo largo y ancho de Estados Unidos, Canadá y Europa. Precisamente a los 14 conoce en un evento patrocinado por Guitarras Fender conoce a Beery Oakley jr, hijo del fallecido bajista de Allman Brothers y deciden formar una banda, para la cual reunen a Erin Davis, hijo de Miles Davis y a Waylon Krieger hijo de Robbie. La banda se llamó Bloodline y sacó un solo disco con moderada repercusión, más que nada por los nombres de los integrantes. Joe tiene un estilo que es una buena mezcla de todos a quienes reconoce como influencias; entre ellos Stevie Ray Vaughan, Robert Johnson, Danny Gatton, Jimmy Page, Jeff Beck, Eric Johnson y Buddy Guy. Los 3 albumes que cita como los formadores de su temprano estilo y que más lo influyeron son: “Beano Album” de John Mayall & The Bluesbreakers with Eric Clapton,”Irish Tour” de Rory Gallagher y “Goodbye” de Cream. Bonamassa se mueve con soltura dentro del género y muestra en este disco en vivo desde la fiereza de su guitarra y su voz negra encerrada en un muchacho rubio, hasta sutiles pasajes en temas lentos. Un disco que no solo muestra su virtuosismo, sino mucho más que eso, su expresión, tanto en lo vocal como en lo guitarrístico, es notable y la banda que lo acompaña hace honores a esto, dándole al todo una coherencia sumamente satisfactoria. Para esta ocasión hizo cambios en su formación anterior e incluyó a Carmine Rojas en bajo, quien reemplazó a Mark Epstein y agregó al tecladista Rick Melick. Ambos así como el baterista Bogie Bowles, ex baterista de Kenny Wayne Shepherd, hacen un trabajo no solo sólido sino que se amalgaman en un muy aventurado viaje alrededor de las guitarras de Bonamassa, pero sin cruzarse ni taparlo; esas bases que cualquiera amaría tener. El éxito está acompañando a Joe y por ejemplo, el tema “Sloe Gin”, se mantuvo 10 semanas al tope del chart de blues de la Billboard. Indudablemente un disco para tener en cuenta para el arbolito de navidad de alguien que apreciemos mucho.(por ejemplo… uno mismo)

Roberto Lucio Sampere
“NoTanDistintos”
Sabados 19.00
FM Urbana 107,3 de San Miguel
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Sonny Stitt & Gene Ammons "Boss Tenors" 1961

01. There is no Greater Love
02. The One Before is
03. Autumn Leaves
04. Blues Up and Down
05. Counter Clockwise

Sonny Stitt: saxo tenor & saxo alto
Gene Ammons: saxo tenor
John Houston: piano
Buster Williams: contrabajo
George Brown: batería

Banda que codirigieron en 1950 Sonny Stitt y Gene Ammons, ambos saxofonistas, se reunen nuevamente en 1961 para esta sesión de grabación que se editó con el nombre de "Straight Ahead From Chicago".
Stitt tuvo la "desgracia" de tocar el saxo alto como Charlie Parker y en la época del reinado del gran Bird, lo cual lo hizo recibir innumerables e injustas críticas ya que cuando ambos se conocieron en 1943 se sorprendieron por la similitud de sus estilos, y nadie entonces podía decir que Sonny ya lo conocía o hubiera copiado a Parker.
Para, de alguna manera, evitar andar por la vida cargando con esta fama, Stitt no tuvo mejor idea que convertirse al tenor y de ahí en más, digamos que pudo elaborar su propia carrera, si bien tuvo que renunciar a su amado saxo alto. En este disco, sin embargo, se lo puede escuchar incursionar nuevamente en el alto en "There is no Greater Love", una belleza, aunque mayormente ejecuta el tenor, junto a otro gran saxofonista como Gene Ammons, el pianista John Houston, el contrabajista Buster Williams y el baterista George Brown, una verdadera joyita de la época, ideal para redescubrir todo el talento de Sonny Stitt.

Hernán Guidi
de www.eljugueterabiosofm.blogspot.com

Pat Metheny "Day Trip" 2005 / 2008

01. Son of Thirteen
02. At Last You're Here
03. Let's Move
04. Snova
05. Calvin's Keys
06. Is This America ?
07. When We Were Free
08. Dreaming Trees
09. The Red One
10. Day Trip

Pat Metheny: guitarra eléctrica & acústica
Christian McBride: contrabajo
Antonio Sánchez: batería & percusion

producido por Pat Metheny & Eli Cane
grabado por Peter Karam

"Day Trip", el último disco de Pat Metheny, uno de los guitarristas más importantes de la escena del jazz de los últimos 20 años, fue grabado en 2005y recién editado a comienzos del 2008. Y la verdad es que siempre es difícil hablar de Pat, un artista que despierta las opiniones más encontradas, desde el fanatismo incondicional hasta la apatía y el rechazo extremos. Es, sin dudas, un gran guitarrista, un ejecutante como hay muy pocos en la actualidad (John Scofield, Frank Gambale, Bill Frisell) pero que en algunas oportunidades parece caer en el virtuosismo exagerado, lindante con el exhibicionismo. En este nuevo trabajo, elige el formato de trío junto al notable Christian McBride, uno de los contrabajistas más solicitados del momento y al joven mexicano Antonio Sánchez en batería, algo que ya había probado con excelentes resultados en los 70s con Jaco Pastorius y Bob Moses, en los 80s con Dave Holland y Charlie Haden y más recientemente en el año 2000 con Larry Grenadier y Bill Stewart ¿prestaron atención a los nombrecitos sobre todo en el bajo?. Hay que decir que quiz{as pueda extrañarse el colchón sonoro que le proporcionaba el teclado de Lyle Mays y el resto de los integrantes del Pat Metheny Group, su formación más emblemática y donde por algún tiempo tocó nuestro Pedro Aznar, pero también es cierto que la austeridad de sonidos le otorga un clima más intimista a su música, que en algún momento se acerca al smooth, pero que durante todo el disco tiene una estructura puramente jazzera con alternancia de solos de los tres instrumentistas aunque con más protagonismo de la guitarra, lógicamente. En este disco, Metheny recurre a diez composiciones escritas, producidas y arregladas por él mismo, y con gran participación de sus compañeros, para mostrar que su guitarra no necesita tantos artilugios para brillar (otro ejemplo es "One Quiet Night" del 2003 donde está solo con su guitarra acústica). En este album "Day Trip" luce todo su virtuosismo casi sin exageraciones, con guitarra eléctrica mayormente pero alguna acústica también, McBride ya nos tiene acostumbrados a su solidez en el contrabajo, en algún momento inclusive tocado con arco, y al alto vuelo de sus solos como en el tema "Snova" y Sánchez es una verdadera revelación; está muy bien en las bases, preciso y sutil cuando debe serlo y potente en algunas contadas ocasiones que lo requerían. En definitiva, un buen disco, mayormente de baladas, una buena decisión de un gran músico de cambiar un poco, orientarse hacia un minimalismo que lo enriquece y que no es tan habitual en su carrera. Recomendable, aunque si usted es del selecto grupo que odia a Pat, seguramente no me va a dar bola.

Guillermo Blanco Alvarado
"NoTanDistintos"
Sabados 19.00
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Stanley Clarke, Marcus Miller & Victor Wooten "Thunder" (2008)

01. SMV
02. Thunder
03. Hillbillies On A Quiet Afternoon
04. Mongoose Walk
05. Los Tres Hermanos
06. Medley: Lopsy Lu/Silly Putty
07. Milano
08. Interlude: Classical Thump/Where's Stanley?
09. Tutu
10. Lil Victa
11. Pendulum
12. Interlude: 'Lemme Try Ya Bass'
13. Grits

Stanley Clarke: bajo eléctrico, contrabajo
Marcus Miller: bajo eléctrico, clarinete, saxo, sintetizador
Victor Wooten: bajo eléctrico, percusión
Antoinette Butterscotch: voces en “Pendulum”
Chick Corea: piano en “Mongoose Walk”
George Duke, Ruslan Sirota, Karlton Taylor: teclados
Patches Stewart: trompeta
Steve Baxter: trombón
Ronald Bruner Jr, Poogie Bell, Derico Watson: batería
Kevin Ricard: percusión

Alguien por ahí escribió que después de ver esto, volvía a creer en dios. Y no es para menos; ver junta a la santísima trinidad del bajo eléctrico y que graben juntos un disco, no es cosa de todos los días. Stanley Clarke, Marcus Miller y Victor Wooten, los máximos representantes de casi 3 generaciones de bajistas se dieron cita y entraron al estudio de grabación para generar “Thunder”, un disco, de mínima, impactante. Maestros de las frecuencias bajas, Clarke, Miller y Wooten, son los bajistas del jazz fusión de la actualidad. Un sueño que empezó a hacerse realidad cuando en Octubre de 2007 a Stanley le otorgaron el Lifetime Achievement Award de la revista Bass Player y estaban presentes Marcus y Víctor. Ni lerdo ni morfón como Messi, Stanley los convocó al escenario para tocar “School Days”. Lo visto y oído en el escenario dejó patitieso a todos los presentes, cumplió un viejo deseo de los 3, participar en algo conjunto, y marcó el camino que desembocaría en Thunder. Quienes hemos escuchado un poco de música sabemos que Stanley Clarke es, junto a Jaco Pastorius, el inventor del sonido del bajo moderno desde su trabajo en Return To Forever, Marcus Miller tiene en su haber nada mas que ser el responsable de la reinvención del sonido futuro del jazz que le encargó Miles Davis en su última etapa musical y Víctor Wooten es un prodigio de las cuatro cuerdas reconocido por su tarea con los Flecktones, la banda de Bela Fleck, con Mike Stern y, últimamente con la Chick Corea Electric Band (reemplazando a otro chiquito, John Patitucci). Tres sonidos bien marcados en estilo de tocar el bajo que tiran por la ventana los convencionalismos y tocan de un modo soberbio, atronador. Ninguno se quedó con las ganas de nada, pusieron todo lo que hay que poner en un disco que transita por el jazz funk, ambient funk, hip hop, y cuanto género urbano neoyorquino exista, y lo hacen con un sonido moderno, cada uno con sus características y estilo propio y, lo que es impactante, lo hacen fácil, cada uno encontró el espacio justo para tocar en complemento a lo que hacen los otros. Miller es el “bajo” del trío de bajistas (aunque suene extraño), es el encargado de dar la base con su estilo de slapping que mete mucho ruido, Clarke es el encargado de llevar la línea melódica y Wooten da los acordes que sirven de colchón a los temas; funciones que se me antojan como caprichosas, es meritorio ver como estos roles pueden variar de tema en tema o dentro de un mismo tema; uno de los grandes valores que tiene el disco es que ninguno quiere sobresalir sobre los otros, se entiende que son tipos que ya tienen chapa propia y no tienen que demostrar que uno es mejor que el otro. Esto hace que el disco sea una muy relajada, inspirada e intensa colaboración para disfrute del oyente. Excelente disco, me gustaron todos los temas, una demostración de maestría digna de tres grandes que, una vez mas, muestran a las claras por que llegaron al lugar donde están. La única observación (si se quiere, mínima, casi descartable) es el tipo de música que tocan. Es un disco de fusión moderna urbana, no espere jazz clásico ni nada que se le parezca; aunque, obviamente si elige este disco ud. sabe que es lo que puede llegar a escuchar. Recomendado de punta a punta.

Alberto "Tano" Rosso
"NoTanDistintos"
Sábados 19.00
FM Urbana 107,3 de San Miguel
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